The collection and analysis of data is changing the way economies operate. Are these changes so fundamental that they can be said to have led to the emergence of a new form of capitalism – surveillance capitalism? If people’s behaviour is made increasingly transparent, do we become a society in which trust is no longer necessary? Are individuals a mere appendage to the digital machine, objects of new mechanisms which reward and punish according to the determinations of private capital? How is social cohesion affected when people become dispensable as a labor force, while their data continues to provide function as a source of value in lucrative new markets that trade in predictions of human behavior? How should we understand the new quality of power that arises from these unprecedented conditions? What kind of society does it aim to create? And what ramifications will these developments have for the principles of liberal democracy? Will privacy law and anti-trust law be enough? How can we tame what we do not yet understand?

Shoshana Zuboff was one of the first women to hold a chair at Harvard Business School in 1981. In 1988 she wrote the best-selling and long-selling book “In the Age of the Smart Machine”, in which, as a social scientist and economist, she predicted technological developments and the resulting control mechanisms. Her term “Dark Google” in 2014 marked the debate about the digital future and big data. The magazine strategy+business describes her as one of the eleven most original economic thinkers in the world. Her new book The Age of Surveillance Capitalism: The Fight for a Human Future at the New Frontier of Power, will be published by Public Affairs in the U.S. and Campus in Germany in 2018.

Please register for the event via following link:

Der Antisemitismus gehört zu den größten Herausforderungen unserer Gesellschaft. Seine Formen sind vielfältig: von offener Gewalt bis zu subtileren Mechanismen der Vorurteilsbildung. Wie konnten antisemitische Haltungen in Deutschland wieder in die gesellschaftliche Mitte vordringen? Darüber diskutiert Akademie-Präsidentin Jeanine Meerapfel mit dem Historiker Wolfgang Benz, der Vorsitzenden der Amadeu Antonio Stiftung Anetta Kahane, dem Antisemitismusbeauftragten Felix Klein, dem Komponisten Luca Lombardi und der Kognitionswissenschaftlerin Monika Schwarz-Friesel.

Gespräch mit Wolfgang Benz, Anetta Kahane, Felix Klein, Luca Lombardi, Jeanine Meerapfel und Monika Schwarz-Friesel

In deutscher Sprache

€ 6/4

Am 28. September 1918 starb Georg Simmel in Straßburg, ein wichtiger Sozialwissenschaftler und Philosoph. Das Centre Marc Bloch steht an dem Ort, wo Georg Simmel geboren wurde. Der Anlass darf nicht verpasst werden, Simmel – eben im Georg-Simmel-Saal – gebührend zu ehren!
Professor Georg Lohmann, ein eminenter Kenner von Simmel, wird uns mit einem Vortrag zum Thema Indifferenz bei Marx und Simmel die heutige Relevanz dieses Denkers erhellen.

Mit Max Czollek, Autor, Berlin | Andrij Ljubka, Autor, Uzhhorod | Igor Pomerantsev, Autor, Journalist | Moderation: Evgenia Lopata, Poesiefestival Meridian Czernowitz

Jede Nationalkultur hat ihre eigene Geografie, ihre Helden und Mythen. Es gibt jedoch Städte und Persönlichkeiten, die ihren Platz außerhalb der Landesgrenzen und Mentalitäten finden. Die Europäische Kultur und Weltkultur haben eigene Persönlichkeiten, Codes und Kennwörter. Czernowitz (der österreichische Name der heutigen ukrainischen Stadt Tscherniwzi) und Paul Celan sind Intellektuellen weltweit bekannt, das Werk von Paul Celan wird in den Schulen und Universitäten Deutschlands gelehrt. Der Czernowitzer Paul Celan verbindet in seinem Werk auf einzigartige Weise die deutsche, jüdische, ukrainische, französische, rumänische und österreichische Kultur.

Max Czollek, Andrij Ljubka und Igor Pomerantsev lesen eigene Texte und sprechen mit Evgenia Lopata über Paul Celan und sein Werk.

Die Veranstaltung wird von der Internationalen Literaturkorporation MERIDIAN CZERNOWITZ und Paul-Celan-Literaturzentrum in Kooperation mit Freie Ukraine Braunschweig e.V. organisiert und findet statt mit Unterstützung durch das Auswärtige Amt Deutschland, Ukrainian Cultural Foundation und das Culture Bridges Programm.

In der neunten Ausgabe des Talkformats gehen wir der Frage nach, wie es sich anfühlt und was zu tun ist, wenn Künstlern die körperlichen Fähigkeiten schwinden, welche Vorkehrungen zur Sicherung des posthumen Werks getroffen werden können, was gegen die Angst vor der Altersarmut hilft und ob sich Künstlerkarrieren von Frauen eigentlich anders entwickeln als die von Männern. Dr. Birgit Verwiebe, Kustodin an der Alten Nationalgalerie, bringt uns ein Meisterwerk der Kunstgeschichte näher, die Kolumne »Berlinesque« von Werner Geyer betrachtet Architektur und Städtebau in der Hauptstadt und die »Shopette« gibt Tipps zum günstigen Kunsterwerb. Die NUN-Edition stammt dieses Mal von Nik Nowak, ein musikalischer Live-Beitrag von Michaela Meise.

Gesprächsleitung: Dr. Rüdiger Zill, Potsdam
Die Regale der Buchläden sind angefüllt mit Neuerscheinungen über die Natur: Die Wälder sind wieder voller Geheimnisse, die Tiere sprechen miteinander, und dem Menschen wird wohlfeil eine mögliche Heimkehr in eine Natur jenseits unserer hektischen Kultur versprochen. Mag auch manches dieser ausufernden Literatur des sogenannten Nature Writing fragwürdig sein und sich dem Zeitgeist anbiedern, so ist doch ihre Konjunktur auch ein Indikator für ein tiefes wie unbestimmtes Unbehagen an der Moderne.

In dem Vortrag wird zunächst ein Blick auf das Leben und Werk von Henry David Thoreau geworfen, der eigenbrötlerischen wie faszinierenden Gründerfigur des Nature Writing. 1845 zog sich dieser Verteidiger der Wildnis in eine Holzhütte an einem See zurück und schrieb darüber sein legendäres Buch Walden. Anhand exemplarischer Stationen des Nature Writing von Thoreau bis zu Marion Poschmann wird dann erläutert, was den Reiz dieses literarischen Genres ausmacht und warum wir auf ein derartiges Erschreiben der Natur nicht verzichten können. Schließlich wird es darum gehen, dessen berechtigtes Anliegen trotz aller Auswüchse gegen seine vorschnellen Liebhaber zu verteidigen: In einer Zivilisation, die sich aufgrund ihres globalen Einflusses bereits als Zeitalter des Anthropozän begreift, hat es darum zu gehen, die Wildnis der Natur im Wechselspiel des Lebens zu halten.

Jürgen Goldstein hat 2013 eine Entdeckung der Natur. Etappen einer Erfahrungsgeschichte in der Reihe Naturkunden bei Matthes & Seitz veröffentlicht. 2015 erschien von ihm Georg Forster. Zwischen Freiheit und Naturgewalt, für das ihm u.a. 2016 der Preis der Leipziger Buchmesse (Kategorie Sachbuch Essayistik) verliehen wurde. Für den Herbst 2019 ist ein Buch über Nature Writing. Sprache als Erscheinungsraum der Natur angekündigt.

»Stimmungen/ Schwingungen«: Zum Semesterstart trifft bei den Hybrid Encounters der Literaturwissenschaftler und Komparatist Hans Ulrich Gumbrecht auf den DJ Westbam.

18. Oktober 2018, 19-21 Uhr
Georg-Neumann Saal, Einsteinufer 43 -53, 10587 Berlin
Kommentiertes DJ-Set & Diskussion. Eintritt frei.
Der Abend findet in englischer Sprache statt.

Die Zusammenkunft eines Literaturwissenschaftlers und eines DJs mag als gewagtes Experiment erscheinen. Der renommierte Literaturwissenschaftler und Komparatist Hans Ulrich Gumbrecht (Prof. em., Stanford University) ist bekannt für seine kritisch-philosophischen Beiträge zur politischen und sozialen Realität, der DJ und Musiker Westbam gilt als Gründungsinstanz der Technoszene in Deutschland. Doch beide haben eines gemeinsam: Sie reagieren auf Stimmungen und Atmosphären. Was aber bedeutet »Stimmung« für die jeweilige Disziplin und wie lässt sie sich steuern und musikalisch oder intellektuell reflektieren? Wie wichtig sind das richtige Gespür und eine »Antenne« in die Gesellschaft? Wie schaffen es Underground-Phänomene ein Massenpublikum zu erreichen? Diese und weitere Fragen werden im Gespräch diskutiert. Während der Veranstaltung wird Westbam ein Set spielen und die Musikauswahl in Form einer Performance-Lecture kommentieren.

Es ist schon die dritte Veranstaltung, die im Rahmen der Veranstaltungsreihe »Hybrid Encounters« veranstaltet wird. Von der Hybrid Plattform (eine Initiative der TU Berlin und UdK Berlin) gemeinsam mit der Schering Stiftung ins Leben gerufen, bringt sie Kunst und Wissenschaft in den Dialog. Hochkarätige, internationale Gäste aus Kunst und Wissenschaft treffen dabei auf Persönlichkeiten, die komplementär zum eigenen Hintergrund forschen oder künstlerisch tätig sind.

Hans Ulrich Gumbrecht ist ein deutsch-amerikanischer Literaturwissenschaftler, Essayist und Kritiker. Neben seiner Forschung zur romanischen Literatur verfasst er Beiträge zur Geschichte der Geisteswissenschaften, Philosophie und Ästhetik. Sein Themenspektrum ist weit gefasst: er beschäftigt sich sowohl mit politischen oder geisteswissenschaftlichen Themen als auch mit Figuren aus der Populärkultur, darunter Janis Joplin. Er war lange Zeit Autor eines Blogs für die Webseite der Frankfurter Allgemeinen Zeitung, in dem er gesellschaftliche Themen kommentierte. Seine Publikationen wurden in über 20 Sprachen übersetzt, er erhielt Ehrendoktorwürden von zahlreichen Universitäten und ist Gastprofessor an Hochschulen in Deutschland, Frankreich und Kanada. Er hatte bis zu seiner Emeritierung den Lehrstuhl für Komparatistik an der Stanford University inne.

Westbam ist einer der Wegbereiter der elektronischen Musik in Deutschland. Er war Mitte der achtziger Jahre Mitbegründer des deutschen Techno-Labels Low Spirit in Berlin, und einer der InitiatorInnen des Indoor-Rave Mayday sowie der Loveparade in Berlin. Maximilian Lenz, wie Westbam mit bürgerlichem Namen heißt, trug maßgeblich dazu bei, dass Techno zum Massenphänomen avancierte. Heute, 30 Jahre später, füllt er immer noch Konzerthallen auf der ganzen Welt.

Mit Michael Pauen und Theresa Züger
Moderation und Konzept: Christian Uhle

Veranstaltungsort: Literaturforum im Brecht-Haus
Eintritt: 5,- € / ermäßigt: 3,- €
Einlass: ab 18:30 Uhr

Immer drastischer zieht sich das Digitale durch unsere Lebenswelten. Wie verändert dies unser Denken? Und umgekehrt: Welche kulturellen Vorstellungen prägen den digitalen Wandel? Diesen übergeordneten Leitfragen wollen wir am Eröffnungsabend der Veranstaltungsreihe „Netzdialoge! Philosophie des Digitalen“ nachgehen. Im Gespräch werden die Digitalphilosophin Theresa Züger und der Kulturphilosoph Michael Pauen gemeinsam Deutungsangebote für unser Leben in dieser bewegten Zeit entwickeln.

Theresa Züger hat promoviert über digitale Formen zivilen Ungehorsams, ist re:publica Speaker und assoziierte Forscherin am Alexander von Humboldt Institute for Internet and Society.

Michael Pauen ist Professor für Philosophie des Geistes an der Humboldt-Universität zu Berlin. Zudem ist er Kulturphilosoph und schlägt so die Brücke zwischen Philosophie, Neurowissenschaft, Denken und Gesellschaft.

Denkt man an Bilder von Ölkatastrophen, Atommüll, Plastikinseln im Ozean oder andere Phänomene des Anthropozäns, lässt sich kaum bezweifeln, dass moderne Wirtschaftsweisen einen ‚unverbräuchlichen‘ Rest (Vilém Flusser) generieren – etwas, das praktisch nicht wiederverwertet werden kann. Epistemologisch gesehen ist die Rede vom Rest als absolut Heterogenes dagegen nicht unproblematisch: Sie wird herausgefordert von – oft strukturalistisch ansetzenden – Teil-Ganzes-Diskussionen, metabolischen Erklärungsmodellen oder kultursemiotischen und geschichtsphilosophischen Theorien der ‚ewigen Wiederkehr‘.

Lässt sich der Rest in seiner radikalen Negativität überhaupt als etwas denken, das sich nirgendwo integrieren lässt, und als schieres Störmoment, das sich gegen jede Kontinuität sperrt?

Im 20. Jahrhundert entstehen zahlreiche Denkmodelle, literarische Texte und ästhetische Praktiken, die sich Abfall und Müll, dem Überflüssigen und Vernachlässigten, sowie den ‚Rändern‘ der Geschichte widmen. Diese Modelle und Praktiken interessieren sich zunächst für die Geste der Entledigung, die den Rest verbannte, und gehen mit der Absicht einher, die erkenntnistheoretische und ästhetische Funktion des Verworfenen zu entdecken. Man denke nur an die Tagesreste in Sigmund Freuds Traumdeutung (1900), die Figur des Lumpensammlers in Walter Benjamins Passagen-Werk (1927-1940) oder Georges Batailles Verschwendungstheorie Der verfemte Teil (1949). Auch in der Kunst finden sich zahlreiche Beispiele, etwa Joseph Beuys’ Ready Made, die Junk Art der Nachkriegs-USA, oder die Combine Paintings Robert Rauschenbergs, der das Sammeln von Abfall auf der Leinwand kommentiert, „there is no reason not to see the world as one gigantic painting”.

Vor diesem Hintergrund wollen wir an literarischen und theoretischen Texten des 20. und 21. Jahrhunderts untersuchen, wie sie den Rest darstellen, definieren – oder, im Zuge ganzheitlicher Erklärungsansätze, negieren. Der wissenskonstitutive Aspekt des Marginalen und Verdrängten steht im Zentrum der Auseinandersetzung.

Als gemeinsame Lektüregrundlage wird an die TeilnehmerInnen vorab ein Reader mit Textauszügen von u. a. Sigmund Freud, Michel Leiris, Sigfried Kracauer, Vilém Flusser, Katja Petrowskaja (Vielleicht Esther) und Max Blecher (Aus der unmittelbaren Unwirklichkeit) verschickt.

Der Workshop beginnt mit zwei kurzen Vorträgen von Johannes Kleinbeck (LMU München) und Johanna-Charlotte Horst (LMU München), nachmittags ist Zeit für Diskussionen vorgesehen.

Programm
9:30 – 9:45 Uhr

Begrüßung

9:45 – 11:00 Uhr

Johannes Kleinbeck

„…was […] erübrigt.“ – Freuds Sehnsucht nach der “ganzen Befriedigungslust”

11:00 – 11:15 Uhr

Kaffeepause

11:15 – 12:30 Uhr

Johanna-Charlotte Horst

„Minima Historia. Alltagsgeschichte(n) schreiben.“

12:30 – 14:00 Uhr

Mittagspause im Foyer der FSGS

14:00 ­– 15:30 Uhr

Allgemeine Diskussion einer Auswahl von Texten (Reader)

15:30 – 16:00 Uhr

Kaffeepause

16:00 – 17:30 Uhr

Diskussionsrunde und Abschluss

Ort: FU Berlin, Raum JK 33/121
Planung und Organisation: Marion Maurin, Eva Murasov und Elena Stingl
Anmeldung: bei Marion Maurin (bis 30.9.2018)

18h: Music and Copyright: A Coevolution in Five Moments
Keynote von Aram Sinnreich (Kommunikationswissenschaftler, American University)

Vom Notendruck bis zur Tonaufnahme; vom Radio bis zum Sampling: Wer die aktuellen Debatten ums Musik-Copyright im digitalen Zeitalter verstehen möchte, muss sich mit seiner Entwicklung befassen. Seit der Entstehung eines Publikums und eines Markts für Musikwerke einerseits und der Industrialisierung von Vertrieb und Produktion andererseits haben Musik, Technologie und das Recht einander wechselseitig geprägt – und beständig herausgefordert. Aram Sinnreich verfolgt die Spannungen und neuen Verbindungen, die immer wieder zwischen Gesetz und Regulierung, Marktdynamik, kulturellen Codes und Praktiken, Medientechnologien und Auffassungen von Autorschaft entstehen. Wie verändern neue Hörgewohnheiten und Produktionstechniken den Umfang rechtlicher Regulierung? Wie beeinflussen Recht und Restriktionen musikalische Trends, wie formen sie Vorstellungen von Kunst und Kreativität?

19h: Money and Morals. Copyright’s Role for Creative Labour
Ananay Aguilar (Musikwissenschaftlerin, University of Cambridge; regionale Koordinatorin für Lateinamerika in der International Federation of Musicians – FIM), Mad Professor (Musikproduzent), Helen Smith (Vorsitzende IMPALA), John Street (Politikwissenschaftler, University of East Anglia)
moderiert von Andrea Goetzke (Kulturproduzentin und Kuratorin, Music Pool Berlin; Torstraßenfestival)

Geistige Eigentumsrechte prägen die Bedingungen für kreative Arbeit. Doch wer verdient eigentlich Geld damit? Entsprechen die Interessen der Musikindustrie auch denen der Musiker*innen – und welche Rolle spielen dabei die Verwertungsgesellschaften? Für die Kreativen ist es zunehmend schwieriger geworden, auf der Basis von Gesetzen aus prä-digitaler Zeit ihren Lebensunterhalt zu verdienen. Inwiefern ist Copyright für sie also (noch) ein sinnvolles Geschäftsmodell? Und wie korrespondiert Copyright mit Moral und Ästhetik der Musikpraxis? Es geht ja nicht nur um Geld, es geht auch um Kontrolle und Anerkennung: Was genau soll geschützt werden, wer soll das Recht haben? Welche Rolle spielt das Recht für Performer und Produzenten in Zeiten dezentralisierter Autorschaft?

Mit Florian Bissig | Timo Brandt | J-P Dallmann | Elke Engelhardt | Martina Hefter | Olga Lang | Max Mengeringhaus | Bertram Reinecke | Christina Rossi | Asmus Trautsch

„Aus Äpfel werden Birnen, eine Birne ist womöglich eine Birne ist eine Birne, während doch im Hintergrund eine tumbe Nuss auf dem Schirm flackert …“ (Hendrik Jackson)

Nachdem die Teilnehmerinnen und Teilnehmer der Akademie zur Lyrikkritik im Workshop Äpfel und Birnen in Fragen der Kritik geschult wurden und der Problematik der Kriterien von Lyrikkritik nachgingen, schwärmen sie nun aus. An diesem Abend stellen sie ein lyrisches oder poetologisches Thema, einen Gedichtband oder ein Gedicht, das von ihnen kritisch bewertet wurde, beispielhaft vor. Die entstandenen Kritiken in Pecha Kucha-Format legen dar, warum sich Birnen und Äpfel unvergleichlich gleich sind und in unendlichen Annäherungsprozessen voneinander trennen lassen. Von Apfelmus bis zur kopfzerbrechenden Denknuss – ein wahrhaftes Potpourri für Puristen!

Pecha Kucha ist eine Vortragskunst in je 20-sekündigen Texten, die von je einem Bild begleitet werden. Ein jedes Pech Kucha dauert sechs Minuten und 40 Sekunden und ist damit so lang wie ein etwa 100 zeiliger Text in einer Zeitung. 20×20 Sekunden Bild-Texte „in nuce“, die anregen, aufbrechen, fortführen und wieder konzentrieren. Dieses Format ist dazu geeignet, verständlich Einblicke in laufende Prozesse zu bieten, Kurzanalysen prägnant darzubieten, kleine poetologische Abschweifungen zu inszenieren oder auch einfach einer Frage kurz aber hochintensiv nachzugehen. So wird der Abend ein Panoptikum verschiedener Herangehens- und Denkweisen, die Charaktere und Analysen unterhaltsam widerspiegeln.

Die Akademie zur Lyrikkritik ist ein Projekt des Hauses für Poesie in Kooperation mit der Plattform lyrikkritik und wird gefördert durch die Kulturstiftung des Bundes und durch die Senatsverwaltung für Kultur und Europa.

16h: Blurred Lines of Plagiarism: On Musical Appropriation and Business
Vorträge und Diskussion Joe Bennett (forensischer Musikwissenschaftler, Berklee College of Music), Martin Kretschmer (Jurist, University of Glasgow; Leiter des CREATe Centre), Anjali Vats (Kommunikationswissenschaftlerin, Juristin, Boston College)
moderiert von Andrea Goetzke (Kulturproduzentin und Kuratorin, Music Pool Berlin; Torstraßenfestival)

Musik vor Gericht: Wie lässt sich feststellen, ob ein Song die Kopie eines anderen ist? Was ist noch Hommage, was schon Plagiat? Kann der Klang eines Musikstücks geschützt werden? Welche Form musikalischer Aneignung und Transformation gilt als legitim, welche nicht und warum? Plagiatsfälle sind ein großer Teil des Musikgeschäfts geworden. Copyright gilt als neue „Währung“ für die Investoren in Kreativität – weniger für die Kreativen selbst. Es geht aber nicht nur um sehr viel Geld: Nichts Geringeres als die Definitionen und Ethik kreativer Praxis stehen hier zur Verhandlung. Musikanalyse, Begriffsrhetorik, moralische Wertesysteme und Kulturgeschichte: Viele Faktoren jenseits des Gesetzes können entscheiden, wer Recht bekommt – und welche Präzedenzfälle das Musikschaffen von morgen prägen.

17.30h: Protection of Traditions: Cultural Expressions in the Postcolonial Condition
Vorträge und Diskussion mit Fiona Macmillan (Juristin, Birkbeck University of London), Marisella Ouma (Juristin; ehemalige Leiterin des Kenya Copyright Board), Monika Dommann (Historikerin, Universität Zürich)
moderiert von Andrea Goetzke (Kulturproduzentin und Kuratorin, Music Pool Berlin; Torstraßenfestival)

1991 erreichte das Album Tribal Voice von Yothu Yindi Platz 4 der australischen Albumcharts. In der Musik der Aboriginal-Rock-Band treffen jahrtausendealte indigene Gesänge auf pop-typische Instrumente und Songstrukturen. Wie stehen Folklore und Copyright zueinander? Was ist public domain, was kulturelles Eigentum? Als europäische Erfindung basiert das Copyright für Musikkompositionen auf dem Ausschluss tradierter, oraler und gemeinschaftlicher Musikpraxis – dazu zählen auch viele Stücke des US-amerikanischen Folk- und Blueskanons. Postkoloniale Diskurse und Forderungen im Zuge der Dekolonialisierung ebenso wie die Ausweitung internationaler Handelsverträge haben diese Unterscheidung in Frage gestellt. Seither wird der Schutz für Traditionelle Kulturelle Ausdrucksformen (Traditional Cultural Expressions – TCE) diskutiert und vielerorts gesetzlich implementiert. Was sind die Charakteristika solcher schützenswerter Ausdrucksformen? Was ist ihr politischer Nutzen für lokale Gemeinschaften? Wie verändert die Verrechtlichung auf Basis von Autorschaft und Privateigentum die betreffenden Kulturpraxen, welche Auswirkungen hat die resultierende Fixierung und Kommodifizierung? Welche Alternativen bieten kollaborative und Commons-basierte Modelle?

19h: Rude Citizenship: Jamaican Musical Challenges to Copyright(ed) Culture
Keynote von Larisa Kingston Mann (Rechtsethnologin, Temple University)

Remix-Kultur, Dub Versions, Sound Systems und Straßenpartys als kreatives Zentrum: Jamaikanische Musikpraxis ist kollaborativ und unterläuft gängige Copyrightprinzipien. Wie können alternative Vorstellungen von Eigentum, Kontrolle und Verwertung von Musik aussehen? Welche Musiktechniken setzen marginalisierte Communities dem Urheberbegriff der Rechtsinstitutionen entgegen? – Wenn sie nicht gerade als DJ Ripley die Clubs mit globalen Bass-Sounds anheizt, untersucht Larisa Kingston Mann Möglichkeitsräume für autonome Kulturpraxis und wie Recht und Medien diese formen. Copyright ist auch eine Kulturtechnologie, die gewisse institutionelle Strukturen voraussetzt und ein bestimmtes Verständnis kreativer Praxis reproduziert. Wie verhalten sich diese Vorannahmen zu den Interessen und Praktiken von Musiker*innen?

Mit Noah Sow, Encarnación Gutièrrez Rodríguez, EOTO, Generation ADEFRA, International Women’s Space, maiz, RomaniPhen und LesMigras
Im Rahmen von “10 Jahre Missy Magazine“

In Zusammenarbeit mit Diversity Arts Culture, dem Berliner Projektbüro für Diversitätsentwicklung, möchte das Missy Magazine zum 10-jährigen Jubiläum einen Raum eröffnen, der die Perspektiven von Frauen* of Colour auf den gegenwärtigen Feminismus in den Vordergrund stellt und damit eine häufige Leerstelle im feministischen Mainstream benennt. Der Abend beginnt mit einer Performance-Lecture von Noah Sow. Die bekannte Aktivistin, Autorin und Künstlerin setzt mit ihrem Beitrag zu afrodiasporischem Feminismus in Deutschland den Auftakt. Da weiße feministische Initiativen ihre Räume meist nicht intersektional gestalteten, gründeten Women of Color in Deutschland ihre eigenen Vereine, obwohl sie kaum über eigene Ressourcen verfügten. Einige dieser Organisationen werden gewürdigt und vorgestellt: Generation ADEFRA, RomaniPhen, maiz, EOTO, International Women´s Space und LesMigras. In Gesprächsrunden diskutieren sie Fragen von Ausschlüssen im weiß dominierten Feminismus, von Repräsentation von Strategien der Allianzbildung und der gemeinsamen Nutzung von Ressourcen. Der diskursive Teil schließt mit einem Vortrag der Soziologin Encarnación Gutièrrez Rodríguez.

FeMigra Reloaded. Migrantischer Feminismus und Bündnispolitik.
Der aktuelle Diskurs um intersektionalen Feminismus erweckt leicht den Eindruck, als wären erst in den letzten Jahren neue Perspektiven im Feminismus erkämpft worden. Dabei gibt es auch in Deutschland eine lange Tradition des intersektionalen Feminismus.
In ihrem Vortrag bietet Encarnación Gutièrrez Rodríguez eine historische und rassismuskritische Perspektive auf vergangene und fortwährende (queer-) feministische Kämpfe. Anhand der Gruppe FeMigra (Feministische Migrantinnen), die in den 1990ern in Frankfurt aktiv war, zeichnet sie den Weg des migrantischen Feminismus und der feministischen Bündnispolitik in Deutschland nach – ein Weg, der von Kontinuitäten aber auch von Brüchen geprägt war. Im Anschluss geht sie der Frage nach, welche Errungenschaften sich heute abzeichnen und wo Leerstellen bleiben.
Wie kaum eine andere bereitete Encarnación Gutièrrez Rodríguez mit ihrer Arbeit einem gesellschafts- und rassismuskritischen Feminismus in Deutschland den Weg. Encarnación Gutiérrez Rodríguez ist Professorin für Allgemeine Soziologie an der Justus-Liebig-Universität in Gießen und Series Editor der Anthem Series Studies in Decoloniality and Migration. Zurzeit arbeitet sie gemeinsam mit Pınar Tuzcu an einem Projekt zu migrantischem Feminismus und deren intersektionalen Erkundungen in den 80er und 90er Jahren.
Anschließend diskutieren alle Beteiligten im großen Plenum die über den Tag hinweg aufgeworfenen Fragen.

J, a folk-striptease in 4 von Arantxa Martínez
Im Anschluss an den diskursiven Teil zeigt die Performerin und Tänzerin Aranxta Martinez ihre Performance „J, a folk-striptease in 4““, in der traditionelle Bilder von Weiblichkeit in Volkstänzen unterwandert und in neue Repräsentationen von weiblicher Nacktheit und Sexualität überführt werden.

Kurze Beschreibungen und Weblinks der Organisationen:

Generation ADEFRA
Kulturpolitisches Forum von und für Schwarze Frauen in Deutschland, gegründet Mitte der 80er Jahre, inspiriert durch Audre Lorde, um relativ isolierte Schwarze weibliche Subjekte in Deutschland mit ihren zum Teil sehr unterschiedlich entwickelten Lebensinteressen nicht nur zusammenzubringen, sondern auch auf Dauer zusammenzuhalten

RomaniPhen
Feministisches Rromnja-Archiv, produziert und archiviert kritisches Rromani–Wissen, um verschüttete Rromani-Geschichte, Perspektiven und Gesellschaftsanalysen sichtbar zu machen und zu verbreiten

International Womenspace
Eine feministische Gruppe von migrantischen und geflüchteten Frauen sowie Frauen ohne diese Erfahrung, aktiv gegen Rassismus, Sexismus und andere intersektionale Diskriminierung, gegründet 2012 in der von Geflüchteten besetzten Gerhart-Hauptmann Schule, Berlin

maiz
Autonomes Zentrum von und für Migrantinnen – verknüpft kritische soziale Arbeit mit Bildung, Kultur, Forschung und gesamtgesellschaftlichem Engagement mit dem Ziel, politische und kulturelle Partizipation von Migrantinnen in Österreich zu fördern. Bei maiz arbeiten Menschen, die die Veränderung ungleicher Verhältnisse anstreben und neben Beratungs- und Bildungsangeboten auch politische Kulturarbeit, öffentliche Aktionen und wissenschaftliche Forschungsprojekte durchführen.

Each One Teach One (EOTO)
Community-basiertes Bildungs- und Empowerment-Projekt in Berlin. Im Jahr 2012 gegründet, eröffnete der Verein im März 2014 als Kiez-Bibliothek seine Türen und ist seither ein Ort des Lernens und der Begegnung. EOTO e.V. setzt für die Interessen Schwarzer, Afrikanischer und Afrodiasporischer Menschen ein

LesMigras
Antidiskriminierungs- und Antigewaltbereich der Lesbenberatung Berlin e.V. , der sich hauptsächlich gegen Mehrfachdiskriminierung bzw. für Selbstermächtigung und Vernetzung lesbischer, bisexueller, queerer und trans* Migrant_innen und von Schwarzen lesbischen, bisexuellen und queeren Frauen und Transmenschen engagiert, sowie für die Bekämpfung von Gewalt und Diskriminierung von lesbischen, bisexuellen und queeren Frauen und Transmenschen im Allgemeinen.

16h: Challenged by Sampling. Concepts and Ethics of Quotation
Lionel Bentley (Jurist, University of Cambridge, Ko-Direktor von CIPIL), Tonya Evans (Juristin, University of New Hampshire; Performance-Dichterin), Eberhard Ortland (Philosoph, Westfälische Wilhelms-Universität Münster)
moderiert von Heiko Hoffmann (Musikexperte, Beatport)

Seit über 20 Jahren streiten sich Kraftwerk und Hiphop-Produzent Moses Pelham über ein Sample – mittlerweile vor dem Europäischen Gerichtshof. Pelhams unlizensierte Verwendung von zwei Takten aus Kraftwerks Metall auf Metall (1977) in Sabrina Setlurs Stück Nur Mir (1997) ist zum Präzedenzfall für die Frage der Zulässigkeit von Sampling geworden. Zur Debatte stehen die Reichweite von Leistungsschutzrechten und ihr Verhältnis zur urheberrechtlichen Zitatschranke sowie zur Kunstfreiheit im Allgemeinen und Forderungen nach einem „Recht auf Remix“. Sollten auch kleinste Tonfetzen den Rechteinhabern verwendeter Aufnahmen gehören? Wieviel Mitsprache sollten Urheber*innen haben, um sich gegen Missbrauch und Rufausbeutung zu schützen? Erfunden im Hip-Hop, ist das Zitieren und Entleihen von Sounds heute eine der gängigsten Praxen im Pop. Wie beeinträchtigen Rechtsurteile die Qualität und Innovationskraft von Musik?

17.30h: Music Travels: Copy Cultures in the Global Mediascape
Jace Clayton (Autor, Künstler, DJ), Marisella Ouma (Juristin; ehemalige Leiterin des Kenya Copyright Board), Geraldine Juárez (Künstlerin)
moderiert von Heiko Hoffmann (Musikexperte, Beatport)

Von Mixtapes und CDs zu mp3s, torrents und USB-Sticks, vom Kassettenrekorder zum Mobiltelefon, vom Kopieren zum Streamen: Musik zirkuliert in verschiedenen Formaten, aufhalten lässt sie sich nicht. Mit globaler Ausweitung von geistigen Eigentumsrechten haben sich auch die Methoden, diese zu umgehen und zu unterlaufen, vervielfacht – Copyright und Piraterie sind untrennbare Partner. Auf informellen Märkten und in lokalen DIY-Strukturen bilden sich eigene Kopierethiken aus, neue Produktions- und Distributionsmodelle werden an den globalen Peripherien entwickelt. Je nach Standpunkt in der postkolonialen Moderne bedeuten Kopiertechnologien Verheißung, Aufbegehren oder Bedrohung. Welche musikalischen Innovationen, welche neuen Mediengeografien entstehen dabei? Was regelt heute den Zugang zu Kultur – Rechtsrahmen, der Handel mit Raubkopien oder schlicht günstiges Internet?

Lesung & Gespräch

Eintritt: 6/4€ Karten an der Abendkasse

Mit Hans Christoph Buch, Autor, Berlin | Friedrich Kröhnke, Autor, Berlin | Charlotte Warsen, Autorin, Berlin | Moderation: Erhard Schütz, Literaturwissenschaftler, Berlin

Dichter, Maler, Romancier, Weltenbummler, beliebt, ziemlich erfolgreich, finanziell notorisch klamm, „wohlgesittet, feinnervig, von empfindlichem Gemüt“ (wie sein Verleger Korfiz Holm schrieb). Max Dauthendey war eine schillernde Persönlichkeit der deutschen Literatur um die Wende vom 19. zum 20. Jahrhundert. Die Dichter Richard Dehmel und Stefan George waren seine Impulsgeber. 1867 in Würzburg geboren, starb „einer unserer sinnlichsten Dichter“ (Rilke) vor 100 Jahren in Malang auf Java.

Dauthendey publizierte 17 Prosabände, zwölf Gedichtbände und sieben Dramen. Seine von einer Japanreise beeinflussten Erzählungen Die acht Gesichter am Biwasee finden sich in jedem gutsortierten Antiquariat, anderes wurde in den letzten Jahren neu verlegt. Heute finden sich seine eingängigen Gedichte – er hat allein über 1000 Liebesgedichte für seine Frau geschrieben – vielfach in Internetsammlungen, gern mit Naturfotos unterlegt.

Friederich Kröhnke hat sich in Wie Dauthendey starb (Droschl Verlag 2017) auf die Spur von Dauthendeys letzten Jahren begeben – ein ebenso hellsichtiger wie komischer Parforceritt durch das nicht zuletzt eigene Dichter-Sein: „Bloß nicht sterben in den Tropen“!

Stefan George schrieb über Dauthendey, seine Gedichte seien das Einzige, was jetzt in der Literatur als vollständig Neues dastehe … Über dieses „damalige Neue“ sprechen Friedrich Kröhnke, Charlotte Warsen und Hans Christoph Buch mit dem Literaturwissenschaftler Erhard Schütz.

Die jüngeren Arbeiten der israelischen Tänzerin und Choreographin Yasmeen Godder prägt der Wunsch, ihre Performances wechselnden Perspektiven zu öffnen und das Publikum direkter in das physische und emotionale Erlebnis einzubeziehen, ohne dabei die theatralische Erfahrung aufzuheben. Im Seminar wird sie mit den Studierenden ein Ritual / eine Begegnung / eine Performance kreieren, die das Publikum einlädt, sich ohne Vorwissen zu beteiligen und Methoden zur Entwicklung einer „offenen“ Choreografie untersuchen.

In Kooperation mit der Freien Universität Berlin und dem DAAD.

Vortrag mit Yasmeen Godder, Gabriele Brandstetter, Sven Till, Nele Hertling

In englischer Sprache

Eintritt frei

Die Filmemacherin Helke Sander stellt Filme von Frauen aus den Jahren um 1968 vor, die die Aneignung des eigenen Körpers zum Thema haben: Frauen drehen den Blick um. Vom Betrachtetwerden schauen sie selber zurück und in sich hinein und fügen den alten Formen des Wissens neue hinzu. Frauen, die damals zur Filmkamera griffen, waren experimentierfreudig und unbekümmert. Sowohl inhaltlich wie formal besetzten sie neue Gebiete. Von diesen Aufbruchsjahren bis heute zieht sich eine Spur, die ihre Abdrücke in allen Sparten der Kunst hinterlässt und neu interpretiert.

Filme von Frauen um 1968 von Claudia v. Alemann, Maria Lassnig, Niki de Saint Phalle, Yoko Ono u. a.

Mit Gästen

In deutscher Sprache

€ 7/5

Während des eintägigen Workshops möchten wir Darstellungen des Holocaust in verschiedenen Formen des seriellen Erzählens in Bildern thematisieren. In Bezug auf eine transmediale Narratologie, die das Narrative als gattungs- und genreunabhängig und als performative, kulturelle Praxis fasst, lassen sich Comics mit den Methoden der Erzähltheorie untersuchen. Wie nähern sich Comics, Graphic Novels, Häftlingszeichnungen und Bildserien von Häftlingen dem Holocaust mit ihren spezifisch gestalterischen Mitteln? Wo liegt das erzählerische Potential der verschiedenen Formate? Welche comicspezifischen Strategien lassen sich erkennen, mit Darstellbarkeit, Erinnerung und Zeugenschaft umzugehen? Welche Unterschiede ergeben sich beispielsweise im Vergleich zwischen den Häftlingsarbeiten und den Werken von Überlebenden in Bezug auf ihr erzählerisches Potential?

An der literaturtheoretischen Genre- und Gattungstheorie orientiert, werden auch narrative Bildserien in verschiedene Kategorien eingeordnet, mit denen bestimmte Gestaltungs- und Rezeptionsbedingungen einhergehen. Von einem interdisziplinären Blickpunkt (Literatur- und Geschichtswissenschaft) stellt sich die Frage, wie mit Faktizität in den verschiedenen Disziplinen umgegangen wird und welche Erwartungen die Rezeption der unterschiedlichen Kunstwerke steuern.

Anhand eines kurzen Readers und einzelner Kunstwerke möchten wir Repräsentationen des Holocaust untersuchen und die Frage diskutieren, wie und in welchen seriellen Bildern die Vernichtung der Juden erinnert wird.

Anhand der Arbeiten von Simon Wiesenthal, der aus alten Bildbänden des NS-Fotografen Heinrich Hoffmann 1947 eine Bildserie aus Karikaturen erschuf, lassen sich zum Beispiel Fragen nach Original und Kopie, Aneignung von Bildmaterial und deren künstlerische Transformation, das Schwanken zwischen Fiktion und Faktizität thematisieren. (Jörn Wendland)

Einen weiteren Schwerpunkt wird die Figur des Golem darstellen. Golem-Figuren werden häufig als Projektionsfläche verwendet, auf denen der Holocaust reflektiert wird. Der Golem ist nicht nur eine Figur des Überlebenden, sondern auch eine Reflexionsfigur des Antisemitismus und seiner Projektionen, anders gesagt, der Golem als Figur einer anderen Faktizität (Ole Frahm).

Die Veranstaltung findet in Kooperation mit dem Berliner Comic-Kolloquium statt.

Ort: FU Berlin, Friedrich Schlegel Graduiertenschule, Raum: JK 33/121
Organisation: Anna Beckmann
Anmeldung: anna.beckmann@fu-berlin.de (bis 14.10.2018)

Ausgehend von unserem letztjährigen Workshop „Geschichte in Anekdoten – Wissenstransfer in Suetons Kaiserviten“, in dem wir bereits den epistemischen und epistemologischen Potenzen der Anekdote anhand von exemplarischen Lektüren der Schrift De vita Caesarum nachgingen, soll nun diese Tagung dazu dienen, die von unserem Projekt B07 untersuchte literarische Kleinform möglichst fach- und literarturübergreifend in all ihren verschiedenen Erscheinungsformen unter die Lupe zu nehmen. Impulsen aus der Philosophie, deren jüngste Beiträge die lange Zeit unwissenschaftlich anmutende Miniaturerzählung zur „philosophischen Form“ nobilitieren, werden Lektüren aus der Perspektive der Anglistik, Germanistik, Komparatistik, Kunstgeschichte, Mediävistik, Romanistik und nicht zuletzt unserer Klassischen Philologie gegenübergestellt, um dem über lange Zeit wirkenden Phänomen der Anekdote eine theoretische Kontur zu verschaffen.

Maßgebend sind hierbei die zentralen Fragestellungen des Sonderforschungsbereiches, welchen Prozessen der Umstrukturierung, des Wandels und der Verschiebung Wissen im Zuge der Neukontextualisierung von Anekdoten oder im Akt des Anekdotisierens an sich unterworfen ist und inwieweit anekdotische Narrative darauf Einfluss – oder davon Abstand – nehmen. Welche Geltung kann das transparente wie subkutane Miniaturwissen der eingeflochtenen Anekdoten in Konkurrenz und Kontext eines teleologischen Haupttextes entfalten, und auf welche erzählerische Weise kann dies geschehen? Fragen nach Ausblendungen und Selektionen von Wissen, die auf die pointierte Kürze der Anekdote oder die wissensoikonomischen Implikationen ihrer Akteure zurückzuführen sind, sollen dabei ebenso im Vordergrund stehen wie ‚materialspezifische‘ Untersuchungen zur Formbarkeit, Anordnung und Lokalisierung der Anekdote im Text.

Ziel der Tagung ist es, gerade in der Synopse möglichst vieler Textbeispiele unterschiedlicher Epochen und in der Bündelung interdisziplinärer Vielfalt ein möglichst facettenreiches Gerüst zur theoretischen Konturierung, Epistemologie und Phänomenologie der Anekdote von der Antike bis in die Moderne zu liefern.

Donnerstag, 25.10.2018

14:00 Ankunft und Empfang der Gäste
14:30–15:00 Begrüßung und Einführung. Melanie Möller (Berlin): Theorie und Epistemologie der Anekdote.

Sektion I. (Moderation: Sophie Buddenhagen, Berlin)

15:00–15:45 Frank Wittchow (Achim): Vom Exemplum zur Anekdote? Das Erbe der Annalistik bei Livius und Tacitus
15:45–16:30 Inka Mülder-Bach (München): Einzelfall, Exempel, Ausnahme. Spielräume des Anekdotischen bei Fontane

16:30–17:00 Kaffeepause

Sektion II. (Moderation: Matthias Grandl, Berlin)

17:00–17:45 Falk Quenstedt (Berlin): die groſſen wunderlichen ding dieſer welt – Formen und Funktionen des Anekdotischen bei Marco Polo
17:45–18:30 Simon Godart (Berlin): Heiterkeit. Anekdotische Isosthenie bei Montaigne

18:30–19:00 Kaffeepause

19:00–19:45 Verena Lobsien (Berlin): Andrew Marvell, oder die Kunst des Schwebens
20:00 gemeinsames Abendessen

Freitag, 26.10.2018

Sektion III. (Moderation: Simon Godart, Berlin)

10:00–10:45 Melanie Möller (Berlin): Am Anfang war … die Kloake. Wissensanekdoten in antiker Biographik
10:45–11:30 Sophie Buddenhagen (Berlin): Epistemische Anekdoten in den Prodigien der Augustusvita Suetons

11:30–12:00 Kaffeepause

12:00–12:45 Tobias Reinhardt (Oxford): Zenons Hand
13:00–14:30 Mittagsimbiss

Sektion IV. (Moderation: Christian Badura, Berlin)

14:30–15:15 Rüdiger Zill (Potsdam): Geschichten in Bewegung. Zum Funktionswandel der Anekdote im 17. und 18. Jahrhundert
15:15–16:00 Christiane Reitz (Rostock): Parodie, parodiert oder wie wird man zur Anekdote? Ein kleiner Beitrag zur Wissenschaftsgeschichte

16:00–16:30 Kaffeepause

Sektion V. (Moderation: Claudia Reufer, Berlin)

16:30–17:15 Mira Becker-Sawatzky (Berlin): Anekdoten im frühneuzeitlichen Kunstdiskurs in Rom und Paris. Kontexte und Funktionen
17:15–18:00 Werner Busch (Berlin): Ad Reinhardts „Schwarzes Quadrat“ als Lebenslaufkommentar

20:00 gemeinsames Abendessen

Samstag, 27.10.2018

Sektion VI. (Moderation: Vera Engels, Berlin)

10:00–10:45 Katharina Hertfelder (Berlin): Zur Anekdotenimprovisation bei Hans Blumenberg
10:45–11:30 Matthias Grandl (Berlin): Wie sich Anekdoten kommentieren. Theorie einer „Affordanz“ der Anekdote (nach H. Blumenberg, L. Sciascia und M. T. Cicero)

11:30–12:00 Kaffeepause

12:00–12:45 Sebastian Matzner (London): Unerhörte Geschichten: Zur anekdotischen Nomenklatur gleichgeschlechtlicher Liebe als ‘epistemology of the closet’
12:45–13:15 Abschlussdiskussion (Sophie Buddenhagen, Matthias Grandl und Melanie Möller, Berlin)

13:30 gemeinsames Mittagessen

Zeit & Ort
25.10.2018 – 27.10.2018

SFB-Villa, Sitzungsraum, Schwendenerstraße 8, 14195 Berlin

Weitere Informationen
Um Anmeldung wird gebeten. (Ansprechpartner: Matthias Grandl, magrandl@zedat.fu-berlin.de)
Bei Bedarf ist eine Kinderbetreuung möglich. Anmeldung unbedingt erforderlich bis 1.10.2018

Preview des Dokumentarfilms, anschließend Gespräch mit Christoph Amend (Chefredakteur ZEITmagazin und Herausgeber Weltkunst, DIE ZEIT), Dagmar Mielke (Redakteurin rbb), Andreas Mühe (Fotograf) und Lutz Pehnert (Regisseur DJ Punk)

Eintritt frei, Anmeldung unter besucherservice@volksbuehne-berlin.de. Karten werden ab dem 22.10. an den Theaterkassen vergeben. Pro Person sind max. zwei Karten erhältlich.

Einfach und echt zu fotografieren war sein Ziel. Seine Bilder entstanden aus der Schnelligkeit des Augenblicks und aus der Wahrhaftigkeit des Moments. Er galt als der wildeste unter Deutschlands Fotokünstlern, die in den Neunzigerjahren die Fotografie verändert hatten. Berühmt wurde er 1994, als er für eine Werbekampagne des Musiksenders MTV Jugendliche fotografierte, die nachts in Clubs unterwegs waren. Er labelte sie als „Egoist“, „Chaot“, „Miststück“ und „Konsumgeile Göre“. So entstand ein einzigartiges Generationen-Porträt.
Daniel Josefsohn, geboren in Hamburg, Sohn jüdischer Eltern, einer der ersten Skater in Deutschland, hat immer in Extremen gelebt. Und er schien unverwundbar. Bis zu seinem Schlaganfall 2012. An seinen Folgen starb er mit 54 Jahren.
Seine Wegbegleiter – wie die Schauspielerin Julia Hummer, der Fotograf Wolfgang Tillmanns und der Comedian Oliver Polak – erinnern an einen verrückten Kerl, schwierigen Typen und großherzigen Menschen.

Länge: 52 min. / Produktionsjahr 2018
Regie: Lutz Pehnert
Kamera: Andreas Deinert
Produzentin: Heike Kunze
Produktion: Telekult Film- und Medienproduktion GmbH
Im Auftrag des rbb für ARTE

Archivieren bedeutet nicht nur dokumentieren. Nach den Arabischen Revolutionen haben Künstler*innen und Intellektuelle ihre Arbeit auf Archive konzentriert: auf der Suche nach einer Vergangenheit, die verschüttetet liegt unter Schichten kultureller, politischer und psychologischer Repression. Ein Symposium zu Erinnerung, Trauer, vergessenen und verbotenen Narrativen

Was ist vom Arabischen Frühling geblieben? Wie bringt man den Widerstand in eine archivarische Form? Und wie muss ein Archiv beschaffen sein, um solche Ereignisse in Zukunft erinnern zu können?

Während der Revolutionen in der Arabischen Welt entstand in den sozialen Medien und durch den Bürger*innenjournalismus eine Vielzahl dokumentarischen Materials. Gleichzeitig besteht infolge von Revolutionen die Möglichkeit, verschollene Archive zu heben und durch politische Repression unterdrückte Narrative wieder aufleben zu lassen. Das Verhältnis von Archiven und den politischen Ereignissen in der Arabischen Welt wirft Fragen auf: Wie lassen sich Horror, wie Tradition oder biografische Erlebnisse archivieren? Welche formalen Entscheidungen treffen Künstler*innen, um solche Realitäten einzufangen? So wird das Archivieren zur politischen Handlung – denn gerade heute hängt die Zukunft von der Archivierung des Gegenwärtigen und der Reflexion des Vergangenen ab.

In Vorträgen, Gesprächsrunden und Filmen untersuchen Wissenschaftler*innen, Autor*innen, Künstler*innen und Filmemacher*innen künstlerische und intellektuelle Artikulationen des Archivierens als politische und persönliche Praxis. Mit der Künstlerin Yto Barrada, der Historikerin Leyla Dakhli, der Poetin Iman Mersal, dem Historiker Khaled Fahmy u.v.a.

Konzipiert mit dem Arab Fund for Arts and Culture (AFAC), kuratiert von Khaled Saghieh
Arabische und englische Simultanübersetzung

lfalt verändert alle, ob wir wollen oder nicht. Armen Avanessian diskutiert mit der Philosophin Isolde Charim, was es für den Einzelnen heißt, in einer pluralisierten Gesellschaft zu leben.

Wir leben in einer pluralisierten Gesellschaft. Jede Kultur steht neben anderen, es gibt keine selbstverständliche Zugehörigkeit mehr. Doch was ist das überhaupt – eine pluralisierte Gesellschaft? Und was heißt es für den Einzelnen, in einer solchen zu leben? Die Außenperspektive – dass es nämlich immer anders sein könnte, dass man etwas anderes glauben, anders leben könnte – ist heute Teil jeder Kultur. Und diese Veränderung betrifft jeden. Sie verändert den Bezug zur Gemeinschaft, zur eigenen Identität. Die Philosophin Isolde Charim wendet ihre These auf verschiedene Themen an, von der Politik zur Integration über die Definition des Heimatbegriffs bis hin zu den Debatten um religiöse Zeichen.

Mit: Stephan Trüby (Architekturtheoretiker), Andrea Röpke (Journalistin), Philipp Ruch (Zentrum für politische Schönheit) u.a.
Moderiert von Armen Avanessian (Philosoph)

Der Aufschwung rechtspopulistischer Politik hat auch die Architektur und Fragen nach spezifisch ‚Rechten Räumen‘ ins Visier der Rechtsnationalen geraten lassen. Vor allem, aber nicht nur, in ländlichen Gebieten machen sich zunehmend „rechte Räume“ breit, die damit zugleich oft „No-Go-Areas“ für Menschen etwa mit Migrationshintergrund werden. Aber auch in den Innenstädten sind in letzter Zeit Besorgnis erregende Tendenzen zu erkennen, wenn z.B. der thüringische AfD-Politiker Björn Höcke klagt: „Ein Volk, das keine Denkmäler mehr errichtet, sondern nur noch Mahnmale, hat keine Zukunft“ oder sich der AfD-Politiker aus Sachsen-Anhalt André Poggenburg über die „unschöne Ästhetik“ des Berliner Holocaust-Mahnmals ereifert und empfiehlt, man könnte „etwas anderes hinstellen“, mit „mehr Atmosphäre“. Es scheint nichts weniger auf dem Spiel zu stehen, als der mühsam erarbeitete bundesrepublikanische Konsens eines „Nie wieder“. Teilnehmer der Diskussion sind Expert*innen, die auf verschiedene Art und Weise theoretisch, künstlerisch, aktivistisch Erfahrungen mit rechten oder rechtsradikalen Räumen gemacht haben oder machen mussten. Ziel der Diskussion ist demnach nicht einfach ein genaueres Verständnis aktueller Räume in Deutschland (und darüber hinaus), sondern die Frage, welche effektiven Strategien des Umgangs mit diesen möglich sind.

Eine Veranstaltung in Kooperation mit arch+, dem Goethe Institut und der Bundeszentrale für Politische Bildung

Carolin Emcke im Gespräch mit Max Czollek

Im Streitraum 2018/19 sollen die Begriffe »Identität« und »Repräsentation« und ihr Verhältnis zueinander beleuchtet werden. Die diesjährige Gesprächsreihe eröffnet Max Czollek, der in seiner kürzlich erschienenen Streitschrift »Desintegriert euch!« (Hanser Verlag, 2018) das schöngedachte, deutsche Selbstbild eines geläuterten Landes, das rechtem Denken keinen Platz lasse, ins Wanken bringt. Welche wohlfeilen Selbstbilder und Narrative erzählt diese Gesellschaft über sich? Wie verwendet sie die Zuschreibungen »guter Migrant, schlechter Migrant«? Welche Rolle spielen die Kategorien von »Authentizität« und »Echtheit«? Welche – verqueren – Vorstellungen von Integration sind vorherrschend – und wie müssen diese angesichts der jüngsten Ereignisse von Chemnitz und der darauffolgenden politischen Debatte überdacht werden?

Max Czollek (*1987, Berlin) besuchte bis 2006 die Jüdische (Ober-)Schule Berlin und schloss anschließend ein Studium der Politikwissenschaften an der FU Berlin an, das er mit einer Promotion am Zentrum für Antisemitismusforschung beendete. Mit Sasha Marianna Salzmann kuratierte er 2016 die Veranstaltung »Desintegration. Ein Kongress zeitgenössischer jüdischer Positionen«. Seit 2009 ist er Mitglied des Lyrikkollektivs G13, organisiert gemeinsame Lesetouren und Veröffentlichungen und ist Kurator des internationalen Lyrikprojekts »Babelsprech«. Außerdem ist er Mitherausgeber der Zeitschrift »Jalta – Positionen zur jüdischen Gegenwart«. Im Verlagshaus Berlin erschienen bislang die zwei Gedichtbände »Druckkammern« (2012) und »Jubeljahre« (2015). Max Czollek lebt in Berlin.

Streitraum 2018/19: »Identität und Repräsentation«

Wenn heute von Identitäten die Rede ist, ist nicht immer sicher, worauf man sich bezieht: auf kulturelle, religiöse, soziale Gemeinschaften? Auf Geschlecht, Herkunft, Nationalität? In welchen ambivalenten Identitäten lassen sich heute gesellschaftliche Formationen begreifen? Welche Zuschreibungen und Projektionen belasten, welche erleichtern die Zugehörigkeit zu einer sozialen oder religiösen Gruppe oder Lebensform? Welche Bilder, welche Begriffe dienen als Instrumente der Stigmatisierung? Warum bleibt die Kategorie der Klasse so tabuisiert als ob es das nicht gäbe: soziale Ausgrenzung oder soziale Distinktion, die sich vererbt von Generation zu Generation? Was braucht es, damit demokratische Gesellschaften wieder durchlässiger, hybrider, pluraler werden? Wie verhalten sich Identität und Repräsentation zueinander? Nicht nur parlamentarische und politische Repräsentationen sehen sich zunehmender Kritik ausgesetzt, auch die Formen medialer, künstlerischer Repräsentationen gehören hinterfragt. Welche Bilder, welche Erzählungen werden zitiert und wiederholt, welche werden verdrängt und vergessen, wie werden Stereotype erzeugt, in denen Vorstellungen von »echt« oder »unecht«, »wir« und dem »Anderen« sich verhärten? Wie frei, wie streitbar, wie bösartig dürfen Menschen oder Gruppen dargestellt und karikiert werden – und welche Kriterien gelten in der Kunst, in der Musik, im Film oder im Theater?

Datum: 29. – 30.10.2018
Ort: wird noch bekannt gegeben
Organisation: Anne Eusterschule und Simon Godart

Die Tagung Walter Benjamin und die Poesie wird sich Fragen nach dem Status der Poesie bzw. der poetologischen, sprachphilosophischen Implikationen im Werk Walter Benjamins widmen. Ausgangspunkt ist die Auseinandersetzung Benjamins mit dem dichterischen Werk Baudelaires, um vor diesem Hintergrund die Rolle der Allegorie in der Dichtung der Moderne, die poetische Thematisierung von Zeit, Geschichte, Urbanität sowie Benjamins kritische Reflexionen zur poetischen Sprache zu rücken. Die Herausforderungen der Übersetzung insbesondere lyrischer Texte wird ebenso thematisch werden. Der Workshop nimmt die von Antonia Birnbaum und Michel Métayer besorgte kritische Neuherausgabe der Baudelaire-Übertragungen Benjamins Charles Baudelaire. Tableaux Parisiens, die als Band 7 in Werke und Nachlaß. Kritische Gesamtausgabe 2017 erschienen ist, zum Anlass, um im Rahmen der geplanten internationalen Tagung die HerausgeberInnen des Buches als auch einige internationale ExpertInnen sowie vor allem NachwuchswissenschaftlerInnen aus dem Kontext der Friedrich Schlegel Graduiertenschule einzuladen, den Stellenwert der Poesie bzw. der poetischen Sprache für Benjamins Denken neu zu befragen. Um Anmeldung von Beiträgen wird bis zum 30.09.2018 an simon.godart@fu-berlin.de gebeten.

Die Veranstaltung findet als Kooperation der Friedrich Schlegel Graduiertenschule für literaturwissenschaftliche Studien (FU Berlin), den Instituten für Philosophie der Université Paris VIII und der FU Berlin und dem Walter Benjamin Archiv statt.

Einführung: Prof. Dr. Cornelia Klettke (Universität Potsdam)

Teilnehmer*innen: Prof. Rossend Arqués (Universitat Autònoma de Barcelona), Prof. Sandro Bertelli (Università degli Studi di Ferrara), Prof. Marcello Ciccuto (Università di Pisa), Prof. Claudia Cieri Via (Università di Roma, La Sapienza), Dr. Antonella Ippolito (Universität Potsdam), Dr. Sven Thorsten Kilian (Universität Potsdam), Lars Klauke (Universität Potsdam), Prof. Dr. Thomas Klinkert (Universität Zürich), Dr. Dagmar Korbacher (Kupferstichkabinett der Staatlichen Museen zu Berlin), Prof. Silvia Maddalo (Università degli Studi della Tuscia, Viterbo), Prof. Enrico Mattioda (Università degli Studi di Torino), Prof. Dr. Sebastian Neumeister (Freie Universität Berlin), Dr. Gianni Pittiglio (Ministero dei beni e delle attività culturali e del turismo, Roma), Dr. Roberto Ubbidiente (Humboldt-Universität zu Berlin), Prof. Eduard Vilella (Universitat Autònoma de Barcelona)

In italienischer Sprache

Orte:
Montag und Dienstag: Universität Potsdam, Am Neuen Palais, Haus 8 – Foyerräume (0.60/0.61)
Mittwoch: Kupferstichkabinett, Staatliche Museen zu Berlin – Preußischer Kulturbesitz, Matthäikirchplatz 8, 10785 Berlin

Monday, 29.10.2018, 18-20h. Antrittsvorlesung. Elahe Haschemi Yekani (Humboldt-Universität zu Berlin)

Up Close and Postcolonial with Fanny Price: British Literary History as Aesthetic Entanglements

Hauptgebäude, Unter den Linden 6, Room 2094. Free to the public.

The discourse on entangled histories/histoire croisée is not new and in our postcolonial and globalised present the idea that any recourse to culture must be understood as transnational and based on complex forms of global interactions and power hierarchies a widely held consensus that also affects how we reassess cultural interactions of the past. Nevertheless, literary studies and artistic practice still tend to focus on the national canon or promote curatorial practices that rely strongly on national frameworks, e.g. in the form of national pavilions. The lecture series Aesthetic Entanglements in Transnational Literature and the Arts at Humboldt-Universität zu Berlin is meant as a forum to discuss literary and artistic practices of the past and present as entangled, inviting scholars working in different national philologies to probe what such an entangled approach to culture might contribute to our disciplines. Entanglement here is explicitly understood as not only limited to a question of transnational post/colonial interactions but also as an aesthetic lens that might help re-examine artistic formations and genres.

Eine starke Richtung des Denkens, das nach Erdung und Einbettung nach einer Wahnsinnsperiode der Virtualiserung und der Entbettung sucht, stellt den hergebrachten Begriff der Mehrheit für eine wahre Demokratie in Frage. Man will über den Menschen hinausgehen, um wieder ein menschliches Maß zu gewinnen. Die Mehrheit einer kommenden Demokratie kann nicht nur eine Mehrheit der Menschen sein. Was ist mit den selbstlernenden Maschinen, was mit den intelligenten Tieren, was mit den noch nicht geborenen Wesen, die halb Mensch und halb was anderes sind? Wir stehen am Ende einer bestimmten Auffassung von Globalisierung, die das Leben zwar leichter, aber auch luftiger gemacht hat. Die Angst sitzt deshalb so tief, weil jeder von uns zu spüren beginnt, wie der Boden unter unseren Füßen wegsackt. Hier hilft nur radikale Genauigkeit und präzises Spekulieren. Die Demokratisierung der Demokratie beginnt mit anderen Allianzen und neuen Komplizenschaften, die den Menschen in Kontakt mit seiner Welt bringt, die er nicht allein bevölkert.

Cord Riechelmann, geboren 1960 in Celle, studierte Biologie und Philosophie an der Freien Universität Berlin. Er war Lehrbeauftragter für das Sozialverhalten von Primaten und für die »Geschichte biologischer Forschung«. Schreibt für diverse Zeitungen u. a. für die Frankfurter Allgemeine Zeitung und Sonntagszeitung, die Süddeutsche Zeitung, Merkur, taz und jungle world. Sein Hauptinteresse gilt den Lebensbedingungen von Natur in der Kultur städtischer Lebensräume. Er lebt als Publizist und Autor in Berlin. Zuletzt erschienen: »Krähen« (2013), »Wilde Tiere in der Großstadt« (2004) und »Bestiarium. Der Zoo als Welt – die Welt als Zoo« (2003).

Die französische Schriftstellerin und Philosophin Hélène Cixous zählt zu den großen Vordenkerinnen des Feminismus und ist Erfinderin einer écriture féminine. Seit ihrer Kindheit, die sie als Tochter jüdischer Eltern im kolonialisierten Algerien verbrachte, ist sie mit den Mechanismen sozialer und politischer Gewalt vertraut. An der Schnittstelle vielfältiger sprachlicher, kultureller und sexueller Identitäten unterwandert ihr Schreiben patriarchale Strukturen und überschreitet die Grenzen festgefügter Ordnungen in spielerischer und poetischer Weise. Verleger und Philosoph Peter Engelmann spricht mit ihr über ihr politisches Engagement, den zeitgenössischen Feminismus und das emanzipative Potenzial des Schreibens.

Auf Französisch in Konsekutivübersetzung von Vincent von Wroblewsky

In Zeiten der Krise, in denen rechtsstaatliche und demokratische Institutionen immer mehr ausgehöhlt werden und in denen sich die Universitäten in Berufsausbildungszentren verwandeln, besteht ein besonderer Bedarf nach demokratischem Austausch, nach Orten, an denen sich das Politische kreativ erneuern kann und wo produktive Widerstände formuliert werden können – und zwar sowohl gegen den politischen Konsens als auch gegen die intellektuelle Ignoranz neu-rechter Bewegungen.

Ein unabhängiger Verlag wie der Passagen Verlag und ein sozialkritisches Theater wie die Volksbühne sind Repräsentanten dieser kreativen Gegenkultur in der heutigen Zeit. Die Passagen Gespräche bieten ein Forum für jene AutorInnen, die unmittelbar an den großen theoretischen Revolutionen des späten 20. und frühen 21. Jahrhundert beteiligt waren; aber auch für junge engagierte DenkerInnen, die versuchen, die Ideen ihrer Vorgänger mit kritischem Enthusiasmus weiterzuentwickeln und für die Zukunft fruchtbar zu machen. Ein solches Forum bedeutet: Interaktion, Konfrontation, Diskussion. Es geht nicht um die einseitige Vermittlung von Wissen, sondern um das Denken neuer Möglichkeiten und darum, die Zuversicht zu wecken in die Veränderbarkeit des Gegebenen. Publikum, LeserInnen und AutorInnen bilden gemeinsam eine Öffentlichkeit: eine kritische Gemeinschaft von selbstständigen, bewusst mitdenkenden und verantwortlich agierenden Individuen, die blinden Gehorsam verweigern und versuchen, sich neue Politikformen zu erarbeiten.

1988, im Vorfeld eines Epochenumbruchs gegründet, bietet die vierteljährliche europäische Kulturzeitschrift Lettre International allen Künsten Raum. Einen Schwerpunkt jährlich den darstellenden Künsten zu widmen, in dem sich nicht nur Theaterleute, sondern auch Intellektuelle anderer Disziplinen zu Theaterfragen äußern, Kunst- und Gegenwartsbetrachtungen von großer Intensität, in denen sogar ganze Lebenswerke zur Sprache kommen, bezeugt das „Wissen um die Gefährdung der Theaterkünste als eines gemeinsam bewohnten Denkraums im (nicht nur) europäischen Maßstab“.

Preisverleihung mit Frank Berberich, Esther Gallodoro, Mark Lammert, Hans-Thies Lehmann, Angela Winkler u. a.

In deutscher Sprache

Eintritt frei