Veranstaltungsart: Gespräch

8,- € / ermäßigt: 6,- €

Einlass: ab 19:30 Uhr

Ticket: Eintrittskarten

Digital: Livestream

Die Passionsgeschichte als Sprachkunstwerk? Kein deutschsprachiger Text kann Klopstocks »Messias« darin den Rang streitig machen. In annähernd 20.000 Versen feiert das monumentale Epos den Tod Christi als Vorgang universeller Versöhnung und – Klopstock war begeisterter Anhänger der Französischen Revolution – zerrt die Tyrannen aller Zeiten vor’s Weltgericht. Senthuran Varatharajah lädt in Form einer szenischen Lesung zur Entdeckung des Epos und Klopstocks erhaben-exaltierter Sprache ein, musikalisch kommentiert von Fabian Saul. Der zweite Teil »Auferstehung« basiert auf einer radikal gekürzten Fassung der Gesänge 11 bis 20.

sowie Carmen-Maja Antoni und Holger Teschke

Eintritt: 6,- € / ermäßigt: 4,- €

Einlass: ab 18:30 Uhr

Ticket: Eintrittskarten

Digital: Livestream

Wenige Tage vor seinem 80. Geburtstag liest Christoph Hein gemeinsam mit Carmen-Maja Antoni und Holger Teschke aus seinen Romanen, Theaterstücken und Erzählungen und erinnert sich an die letzten 50 Jahre als Chronist der deutsch-deutschen Verhältnisse.

Gesprächsreihe von und mit Henrike Kohpeiß, Philipp Wüschner und Gästen

Sterben muss jede*r alleine. Je nachdem, wie nah das Ende heranzurücken scheint, tritt diese Tatsache mehr oder weniger in den Vordergrund, und kann, je nach Möglichkeiten, das Bemühen um Gemeinschaft wecken. Einsamkeit wird in der Philosophie als Tugend betrachtet, die das Denken ermöglichen soll, aber auch als existenzieller Schmerz anerkannt, den es als Preis für Freiheit zu zahlen gilt. Neben dieser heroischen Einsamkeit gibt es jedoch auch klandestinere, schleichende Formen des Alleinseins, Ausgegrenztseins, der Isolation, des Nicht-Ankommens. Manchmal wird diese Einsamkeit spürbar als das Gewicht von Beziehungen, die nicht sein dürfen. Im Gespräch wollen wir uns damit beschäftigen, welche Formen der Einsamkeit sich in Krisenzeiten besonders schneidend aktualisieren und welche vielleicht durch die erlebte Brisanz des historischen Moments aufgehoben werden. (Die Veranstaltung findet auf Englisch statt).

Carolin Emcke im Gespräch mit Monika Hauser (Gründerin medica mondiale) und Yuriy Nesterko (Co-Leiter der Wissenschaftlichen Abteilung am Zentrum ÜBERLEBEN)

Unsere Gegenwart ist durch Krieg und Gewalt geprägt: ob der russische Angriffskrieg in der Ukraine, der Krieg im Nahen Osten, in Israel und Gaza, oder die andauernden, bald wieder vergessenen Konflikte in Syrien, Afghanistan oder dem Kongo. Die Gewalterfahrungen schreiben sich ein in die Menschen, die ihnen ausgeliefert sind. Ob sexualisierte Gewalt oder Folter, ob Misshandlung und Vertreibung – sie hinterlassen schwere Traumatisierungen. Wie lässt sich sprechen über die Erfahrungen von Gewalt und Trauma, was brauchen die Überlebenden an medizinischer, an psychologischer Unterstützung, aber was brauchen sie auch von uns, der Gesellschaft, in der sie weiterleben wollen?

DR. MONIKA HAUSER (*1959 in Thal) ist Fachärztin für Gynäkologie und Gründerin sowie geschäftsführendes Vorstandsmitglied von medica mondiale. Für ihren Einsatz und ihre Erfolge erhielt sie zahlreiche Preise und Auszeichnungen, darunter den alternativen Nobelpreis. medica mondiale e.V. ist seit über 30 Jahren eine international tätige, feministische Frauenrechts- und Hilfsorganisation. Insbesondere von sexualisierter Gewalt betroffene Frauen und Mädchen in Kriegs- und Krisengebieten erhalten ganzheitliche Unterstützung.

YURIY NESTERKO (*1984 in Lutsk) ist Psychologe und seit 2022 Co-Leiter der Wissenschaftlichen Abteilung am Zentrum ÜBERLEBEN. Er ist zudem Co-Leiter der Arbeitsgruppe »Psychotraumatologie und Migrationsforschung« an der Medizinischen Fakultät der Universität Leipzig. Seine aktuellen Forschungsschwerpunkte liegen im Bereich der kultursensiblen Gesundheitsversorgung, konfliktbezogener sexualisierter Gewalt gegen Männer und Jungen sowie Online-Interventionsangeboten für psychisch belastete arabischsprachige Menschen.

Ort: Literaturhaus Berlin, Fasanenstr. 23, 10719 Berlin, Kaminzimmer

Organisiert von Kyung-Ho Cha, Patrick Eiden-Offe, Ivana Perica (alle ZfL), Johanna-Charlotte Horst (Ludwig-Maximilians-Universität München), Christoph Schaub (Universität Vechta)

ZfL-Projekt(e): Buchklub, Kartographie des politischen Romans in Europa

Gemeinsam mit den Teilnehmer:innen diskutieren die Moderator:innen Kathrin Rögglas Roman Laufendes Verfahren (S. Fischer 2023). Die Lektüre des Romans ist Voraussetzung für die Teilnahme am Buchklub.

Der Eintritt ist frei, um vorherige Anmeldung an caponeu@zfl-berlin.org wird gebeten.

Als Ort der kreativen – wissenschaftlichen wie literarischen – Textproduktion, als Zentrum der Bewahrung und Erschließung von Verlagsarchiven sowie als Akteurin auf dem Feld der textuellen Materialitätsforschung möchte die Staatsbibliothek zu Berlin in Kooperation mit der Kurt Wolff Stiftung unabhängigen Verlagen eine Bühne geben.

Daher machen wir (in der Regel) jeden ersten Dienstag eines Monats zum Indie(n)stag, indem wir ein Haus der bisherigen Shortlists des Berliner Verlagspreises dazu einladen, sich gemeinsam mit einem zweiten unabhängigen Verlag in der Staatsbibliothek Unter den Linden vorzustellen. Weiterführende Informationen zu Konzept und Terminen der Veranstaltungsreihe finden Sie unter: http://sbb.berlin/indies.

Es präsentieren sich an diesem Abend die Verlage Pulp Master und Hirnkost.

Im Rahmen der Veranstaltung werden Fotoaufnahmen gemacht. Durch Ihre Teilnahme erklären Sie sich mit der möglichen Veröffentlichung des dabei entstandenen Bildmaterials einverstanden.

Luigi Pareyson (1918-1991), der zu den wichtigsten italienischen Philosophen des 20. Jahrhunderts zählt, gehört zu den Begründern der modernen philosophischen Hermeneutik. Zeitlebens bemühte er sich um die Vermittlung zwischen der deutschen und der italienischen Philosophie. In seinen frühen Schriften setzte er sich mit dem deutschen Existenzialismus auseinander und führte ihn in Richtung eines ontologischen Personalismus fort. Später interpretierte er den klassischen deutschen Idealismus im Lichte erneuerter historiographischer Perspektiven und erarbeitete zugleich eine Ästhetik als Theorie der „Formativität“. Pareyson entwickelte den ersten Entwurf einer Philosophie der Interpretation im Sinne einer Ontologie des Unerschöpflichen sowie eine Ontologie der Freiheit.

Im gemeinsamen Gespräch präsentieren Ugo Perone und Luca Illetterati zwei bedeutende Werke von Luigi Pareyson, die jüngst in deutscher Übersetzung erschienen sind.

Luigi Pareyson, Wahrheit und Interpretation, aus dem Italienischen von Gianluca De Candia, Meiner Verlag 2023

Diese Ausgabe eröffnet erstmals in deutscher Übersetzung den Zugang zu seinem 1971 erschienenen Hauptwerk zur Philosophie der Interpretation, an dem er seit den 1940er Jahren intensiv arbeitete. Seine Kritik an allen wichtigen Strömungen des 20. Jahrhunderts (Existenzialismus, Marxismus, Psychoanalyse, Neopositivismus, Pragmatismus, Ideologie- wie Entmythologisierung, Traditionalismus) erweist sich immer noch als höchst aktuell. Alternativ zum heute dominierenden historistischen, pragmatistischen oder technikfixierten Denken besteht für ihn die Aufgabe der Philosophie darin, das Denken in seiner ursprünglich ontologischen Dimension zu fundieren und somit den Wahrheitsbegriff wieder ins Zentrum zu stellen. Dabei geht es nicht primär um ein analytisches Verständnis der Wahrheit, das diese lediglich auf der Ebene des Propositionalen gelten lässt, sondern um die Wahrheit als unerschöpfliche Offenbarkeit des Seins, die die Freiheit des Interpreten fördert und einfordert.

Luigi Pareyson, Dostojewski: Philosophie, Roman und religiöse Erfahrung, aus dem Italienischen von Andrea Messner, Freigeist Verlag 2022

Unter den Aufzeichnungen, die Luigi Pareyson nach seinem Tod hinterlassen hat, fand man einen detaillierten Entwurf des vorliegenden Buches, das kurz vor der Fertigstellung stand. Die darin entwickelten Überlegungen bieten eine artikulierte und dialogische Lektüre Dostojewskis: Pareyson entwickelt nicht nur neue Perspektiven zu von der Kritik breit diskutierten Themen, sondern legt vor allem eine in sich geschlossene Interpretation von Dostojewskis Denken vor. Pareysons Gesamtargumentation basiert auf drei Momenten, die sich auf drei unterschiedliche Erfahrungsordnungen beziehen: die Erfahrung von Gut und Böse, die Erfahrung der Freiheit und die Erfahrung von Gott. Die primäre Erfahrung stellt jedoch die Lektüre von Dostojewskis Büchern dar; diese bieten „Anlass“ zum Beginn eines Nachdenkens, das über den bloßen Kommentar zu den Texten hinausgeht und zu einer Interpretation religiöser Erfahrung in ihrer Universalität wird, dazu in der Lage, das Interesse und die Teilnahme eines jeden Menschen anzuregen.

Donnerstag, 11. April 2024
19 Uhr

Buchvorstellung mit
Ugo Perone und Luca Illetterati

Einführung
Maria Carolina Foi

Ugo Perone, Schüler von Luigi Pareyson, war Professor für Philosophie an der Universität Turin, an der Universität Tor Vergata in Rom und der Università del Piemonte Orientale. Von 2012 bis 2021 war er Inhaber der Guardini-Professur an der Humboldt-Universität zu Berlin. Von 2001 bis 2003 war Perone Leiter des Italienischen Kulturinstituts von Berlin. Perone ist Mitglied des Centro Studi Filosofico-religiosi Luigi Pareyson sowie Gründer und Leiter der Scuola di Alta Formazione Filosofica.

Luca Illetterati ist Professor für Theoretische Philosophie am Institut für Philosophie der Universität Padua. Seine wissenschaftlichen Interessen konzentrieren sich hauptsächlich auf die klassische deutsche Philosophie, das Problem des philosophischen Naturverständnisses zwischen modernem und zeitgenössischem Denken, die Philosophie der Übersetzung und die Didaktik der Philosophie. Er war Präsident der Società Italiana di Filosofia Teoretica und ist Mitglied des Vorstands der Internationalen Hegel-Vereinigung.

Anmeldung erforderlich über Eventbrite: https://Luigi-Pareyson.eventbrite.it

Aufv Italienisch mit Simultanübersetzung

In Zusammenarbeit mit
Meiner Verlag, Freigeist-Verlag

Luigi Pareyson, Wahrheit und Interpretation. Übersetzt aus dem Italienischen und mit einem Geleitwort und bibliographischen Hinweisen herausgegeben von Gianluca De Candia. Eingeleitet von Claudio Ciancio und Ugo Perone, Meiner Verlag, Hamburg 2023

Luigi Pareyson, Dostojewski: Philosophie, Roman und religiöse Erfahrung. Übersetzt aus dem Italienischen von Andrea Messner. Vorwort von Ugo Perone. Freigeist Verlag, Berlin 2022

Lange wurde die These vertreten, dass Kant in seinen letzten Lebensjahren senil geworden sei und seine Niederschriften aus dieser Zeit philosophisch nicht mehr ernst zu nehmen wären. Man berief sich dabei oft auf das Opus postumum und die in ihm enthaltenen Alltagsnotizen sowie auf die besonders im letzten Entwurf von Dezember 1800 bis Februar 1803 scheinbar ohne erkennbare Ordnung beschriebenen Manuskriptseiten. Jacqueline Karl von der Berlin-Brandenburgischen Akademie der Wissenschaften erläutert, dass die Arbeit an der Neuedition ein geradezu gegenteiliges Ergebnis liefert. Über die Edition als ein Beispiel für die Zusammenarbeit von Staatsbibliothek und Akademie sprechen Generaldirektor Achim Bonte und Akademiepräsident Christoph Markschies.
Anlässlich der Veranstaltung präsentieren wir das bedeutende Manuskript „Opus Postumum“ von Immanuel Kant, das vor 25 Jahren von der Staatsbibliothek erworben werden konnte.

Programm

Gespräch über die Edition des „Opus postumum“ als ein Beispiel für die Zusammenarbeit von Staatsbibliothek und BBAW
Prof. Dr. Achim Bonte (Generaldirektor der Staatsbibliothek zu Berlin) & Prof. Dr. Christoph Markschies (Präsident der Berlin-Brandenburgischen Akademie der Wissenschaften)

Das „Opus postumum“ – seniles Alterswerk oder „Schlußstein“ der Philosophie Kants? Die editorische Arbeit am Opus postumum
Dr. Jacqueline Karl (Arbeitsstellenleiterin Neuedition, Revision und Abschluss der Werke Immanuel Kants an der BBAW)

Präsentation des Opus Postumum und Gespräch an den Vitrinen mit Dr. Monika Linder und Dr. Jacqueline Karl

Mit freundlicher Unterstützung des Verlags De Gruyter
In Kooperation mit der Berlin-Brandenburgischen Akademie der Wissenschaften

Um Anmeldung wird gebeten.

Özlem Gençer, Oktay Gençer, Memo Tembelçizer, Barış Uygur
Bilderschau und Gespräch
Moderation: Axel Halling

Comics und Karikaturen erfreuen sich in der Türkei seit Jahrzehnten einer großen Beliebtheit; die Satirezeitschriften erreichen in hohen Auflagen eine landesweite Verbreitung. Die zunehmend autoritäre Regierung und die wirtschaftliche Krise in der Türkei zwingen viele Künstler∙innen und Verleger∙innen dazu, ihre Heimat zu verlassen. Zahlreiche versuchen inzwischen, in Berlin Fuß zu fassen und ein Publikum für ihre Werke zu finden. Die Veranstaltung gibt Einblicke in die Vielfalt des türkischen Comics, stellt die Kunst und die Themen seiner Akteur∙innen und ihre professionellen Herausforderungen in der Diaspora vor.

Zu Gast sind die Comic- und Manga-Verlegerin Özlem Gençer sowie der unter dem Namen Oky bekannte Zeichner Oktay Gençer, außerdem der Cartoonist Memo Tembelçizer und der Autor Barış Uygur, die beide in ihrem Verlag interdictum türkische Comics auf Deutsch veröffentlichen.

Tickets online bestellen

Eintritt 8 € / 5 €.
Auch an der Abendkasse.

Die lyrische Ekphrase, die Beschreibung eines Gemäldes oder Kunstobjekts im Gedicht, ist nahezu so alt wie die Gattung selbst. Sie steht unter dem unbedingten Primat der Anschaulichkeit. Das erste Beispiel ist die Beschreibung von Achilles Schild in Homers Ilias. Von da führt der Weg über John Keats griechische Urne, W. H. Audens Ikarus-Gedicht und Rainer Maria Rilkes Archaïschen Torso Apollos bis hin zu Marianne Moores Kandelaber-Schwan. In diese Tradition reihen sich vier Dichter:innen ein, die sich auf je unterschiedliche Weise dem Bildgedicht nähern:

Claudia Gabler (geboren 1970 in Lörrach) reagiert in ihren Gedichten auf Gemälde von so unterschiedlichen Maler:innen wie z. B. Caspar David Friedrich oder Frida Kahlo. Sie findet treffende Worte für die Bildwelten von Hieronymus Bosch („ein Messietum voll Symbolik“) und Neo Rauch („ein Maler transpiriert ins Revier / und beleuchtet die Schöpfung mit seinem Schweiß“). Das „Schauen braucht Herz“ heißt es einmal bei ihr, und „das Lid hält sich feierlich offen“. Eugene Ostashevsky (geboren 1968 in Sankt Petersburg) schrieb im Auftrag des Louvres ein Gedicht über Giorgiones Gemälde Ländliches Konzert. Aus einem imaginierten Zwiegespräch der Protagonist:innen im Bild entwickelt sich nicht nur ein hochpolitischer Kommentar zur aktuellen Lage, sondern auch eine Poetik des Sehens und Sagens: „It shows how poetry is born of poetry and returns to poetry“.

Birgit Kreipe (geboren 1964 in Hildesheim) tritt in drei Zyklen ihres Bandes aire (kookbooks 2021) in den Dialog mit bildender Kunst. Präzise bescheibt sie die „ahnung / vom doppelcharakter der hitze“ und die „absprachen zwischen licht und staub“ in Francesca Woodmans House Series, begibt sich mit Gerhard Richters bemalten Fotografien in einen Park hinter dem Park, in dem die Helligkeit des Tages aus einem „angekippten klaren Topf“ fließt.

Emanuel Schneider (geboren 1995 in Köln) ergründet in seinen Gedichten die Gemälde der Malerin Cécile Lempert. In einer sprachlichen Meditation über Die Opferung Isaaks heißt es: „Vor dem Bild, dass dir die Beine schmerzen / und sie deine Blicke aus dem Nacken / durch die Stirn auf ihre Leinwand zieht.“

In Lesung und Gespräch: Claudia Gabler | Birgit Kreipe | Eugene Ostashevsky | Emanuel Schneider
Moderation: Asmus Trautsch

Die Musikjournalistin und Podcasterin MIRIAM DAVOUDVANDI spricht mit Menschen über Texte, die sonst nie über Bücher, Literatur, Gedichte und Prosa sprechen. Ob Rapper*innen oder Sportler*innen, alles ist möglich, nur Schriftsteller*innen sind nicht erlaubt. Zur dritten Ausgabe ist TikToker TAHSIM DURGUN (@tahdurr) zu Gast, der Videos zur AfD, rechten Politiken, deutscher Leitkultur und Migraleben in Deutschland kreiert und mit seinem trockenen Humor dabei gerade die Timelines erobert.

Z. Zt. ausverkauft

Eventuelle Restkarten sind an der Abendkasse erhältlich.

Teil der “Vessel of Love”
Im Rahmen von “Love is a Verb”

Ein- und Auslass jederzeit möglich

Mit einem Büchertisch von Die Buchkönigin

“Heute glauben [wir] an die Möglichkeit der Liebe, und das ist der Grund, warum wir uns bemühen, ihre Unvollkommenheiten und Perversionen aufzuspüren.”
Frantz Fanon: “Schwarze Haut, weiße Masken”, 1952

Welche Art von Liebe entsteht zu Hause, auf der Straße, in der Nachbarschaft, in der Gesellschaft, in einer Welt, die von der Logik sozialer Ungleichheit beherrscht wird, die gewaltsame Akte der Unterwerfung und der Eingrenzung erforderlich macht? Kann man Zuneigung, die nicht geteilt wird, die anspruchsvoll ist, die isoliert ist, die ihre eigene Sicherheit verteidigt und die unabhängig ist vom Durcheinander irdischer Beziehungen, als Liebe bezeichnen? Kann Liebe jemals mehr sein? Kann anders gelebte Liebe jemals groß genug und widerstandsfähig genug sein, um Unterdrückung unwirksam zu machen? Und wenn sie es kann, wie sieht diese Liebe aus?

Ausgehend von Fanons Gedanken zum Thema Liebe lädt “a po(e/li)tics of love” zu einer gemeinsamen Reise, auf der die Schnittmenge von Liebe und Politik erforscht wird, die über persönliche Bindungen hinausgeht und eine breitere soziokulturelle Dynamik umfasst. Die Geschwister, Künstler*innen und Kulturschaffenden Ligia, George, Isabel und Sarah Lewis haben ein Programm kuratiert, das einen kurzen Dokumentarfilm, Geschichten, Musik und Texte von Künstler*innen und Denker*innen enthält, die uns zum Hinterfragen von Liebe anregen. Im immersiven Setting der Vessel of Love reagieren die Geschwister mit Sound, Bewegung und Dialogen auf die von ihnen zusammengestellten künstlerischen Beiträge.

Tickets

Hinweis:

Aufgrund des szenischen Settings gibt es keine klassischen Sitzmöglichkeiten.

Ein Awareness-Team ist vor Ort und kann jederzeit aufgesucht werden.

Moderation: Lena Gorelik und Maha El Hissy

Seit dem Terrorangriff der Hamas und dem andauernden Krieg in Gaza fühlen sich einige Autor∙innen und Kulturschaffende, die sich öffentlich zur Situation in Israel und Gaza äußern, gefährdet. Absagen werden erteilt, Empörendes wird geäußert und ein Gefühl des Verlassenseins breitet sich aus. Oft brechen politische Realitäten in Schreib- und Arbeitsprozesse ein und lassen sich, vor allem für Betroffene, nicht vom literarischen und kulturellen Schaffen trennen. Literatur kann dabei auch die (fehlende) Aussöhnung zur Sprache bringen. Im Rahmen dieser eintägigen Veranstaltung finden tagsüber interne Diskussionen über Räume für Solidarität trotz möglicher Dissonanzen statt. Abends um 19.30 Uhr sind Esther Dischereit, Dima Albitar Kalaji, Svetlana Lavochkina, Abdalrahman Alqalaq und Yasmeen Daher eingeladen, vor Publilkum Gedichte und Prosa zu lesen und sich öffentlich über Texte, kulturpolitische und andere Fragen auszutauschen.

Es moderieren Lena Gorelik und Maha El Hissy. Die Veranstaltung wurde von einem Kollektiv kuratiert, unter anderem von Dima Albitar Kalaji, Maryam Aras, Asal Dardan, Maha El Hissy, Leila Essa, Lena Gorelik, Eva von Redecker und Insa Wilke.

Tickets online bestellen

Eintritt 8 € / 5 €.

Als Auftakt einer Reihe zu jiddischer Dichtung im Haus für Poesie sind an diesem Abend vier Künstler:innen zu Gast, die auf Jiddisch schreiben, singen oder performen: Beruriah Wiegand (geboren 1970) ist Dichterin, Übersetzerin und Lektorin für Jiddisch an der Universität Oxford. Seit 2000 schreibt sie Poesie in jiddischer Sprache und veröffentlichte seitdem mehrere Bände, u. a. im H. Leyvik-Verlag כלת־בראשית / kales-breyshis (2018), zu Deutsch etwa: die Braut von Genesis. David Omar Cohen (geboren 1994 in Utrecht, Niederlande) ist promovierter Alt-Philologe und veröffentlichte jiddische Gedichte in Anthologien und Zeitschriften. Cohens Übersetzungen des jiddischen Dichters Mordechai Gebirtig Mijn liederen/Majne lider erschien 2020 in der Uitgeverij HetMoet. Der Musiker Daniel Kahn (geboren 1978 in Detroit, USA) ist bekannt als Teil der Gruppe Daniel Kahn & The Painted Bird, mit der er fünf Alben veröffentlichte. Das Genre bezeichnet Kahn selbst als „Verfremdungs-Klezmer“. Er wird an diesem Abend solo auftreten mit Akkordeon und Gitarre. Ella Ponizovsky Bergelson (geboren 1984 in Moskau, Russland) emigrierte 1991 nach Israel und lebt seit 2016 in Berlin. Als bildende Künstlerin beschäftigt sie sich mit kultureller Fluidität, u. a. in Form von großflächigen kalligrafischen Wandbildern jiddischer Poesie im öffentlichen Raum wie etwa dem Projekt Present Figures (2021), gewidmet der jiddischen Schriftstellerin Debora Vogel. An diesem Abend wird sie live ihr Verfahren der „hybriden Kalligrafie“ performen.

Die Veranstaltung findet auf Englisch und Jiddisch statt.

In Lesung, Performance, Musik und Gespräch: David Omar Cohen | Daniel Kahn | Ella Ponizovsky Bergelson | Beruriah Wiegand

Moderation und Kuration: Jordan Lee Schnee

Eintritt:
4/6 €
Tickets online 

Bibelverbot an Schulen in Utah, Verbannung von Klassikern aus Lehrplänen und Schulbüchern, verwässernde Übersetzungen, umgeschriebene Klassiker, politisch korrekte Vorgaben für Literatur, Sensitivity Reading, Verbot umstrittener Vokabeln: Ein Verhängnis!, sagt Melanie Möller, und warnt davor, den „normalen“ Leser zu unterschätzen. In Sachen Kunst darf es keine Abstriche geben. Wer verwässert, entmündigt die Leser – und die sind schlauer als man denkt.

Literatur muss frei sein, wild, darf böse sein und muss auch weh tun können, sonst verliert sie ihren Sinn; das geschriebene Wort muss ein Freiraum bleiben für ungeschützte Gedanken und scharfe Worte. Und um über Literatur zu reden, reicht es nicht aus, auf ein paar Reizworte zu reagieren – man muss die Texte lesen. Und zwar genau. Und so nimmt Melanie Möller uns mit auf einen wilden Ritt durch mehrere Jahrhunderte Literaturgeschichte, in die Welt „schwieriger“ Autoren, wie etwa Ovid und Brodsky, Catull und Casanova, Sappho und Lindgren, Petron und Céline, Euripides und Annie Ernaux. Und sie zeigt uns, inwiefern gerade im Grenzgang das erkenntnisfördernde Potenzial von Literatur liegen kann.

„Was fehlt, ist ein leidenschaftlicher Kampf für die Autonomie der Literatur, der diese schützt wie eine bedrohte Minderheit – und zwar kompromisslos“, so die Autorin. Melanie Möller führt ihn.

Melanie Möller studierte Latinistik, Germanistik, Geschichte und Gräzistik in Bielefeld und Heidelberg. Nach ihrer Promotion über Stilkritik und ihrer Habilitation zu Cicero widmete sie sich als Heisenbergstipendiatin der Erforschung der Antikebezüge im Werk des Philosophen Hans Blumenberg. Melanie Möller ist Professorin für Klassische Philologie/Latinistik an der Freien Universität Berlin.

Denis Scheck arbeitet als Literaturagent, Übersetzer US-amerikanischer und britischer Autoren, Herausgeber, Literaturkritiker und Moderator.

Diese Veranstaltung findet in Kooperation mit den Freunden der Staatsbibliothek e.V. statt.

Um Anmeldung wird gebeten.

Während der Veranstaltung werden Video- und Bildaufnahmen für die Öffentlichkeitsarbeit der Staatsbibliothek zu Berlin angefertigt. Mit Ihrer Anmeldung stimmen Sie der Veröffentlichung zu nichtkommerziellen Zwecken zu.

Bitte beachten Sie, dass es sich um eine Live-Aufzeichnung fürs Radio handelt. Wir beginnen pünktlich und können leider keinen Nacheinlass ermöglichen.

Regelmäßig trifft Jakob Augstein im Kaminzimmer des Berliner Literaturhauses einen Gast, um über Wahrheit und Erfindung in den großen Erzählungen unserer Zeit zu reden. Ungestört von der Erregungsmaschine des Internets treffen sich zwei Menschen zum Gespräch und üben sich in Fähigkeiten, die rar zu werden drohen: Fragen, zuhören, verstehen, lernen. Das Vorbild dieses Diskussionsformats sind die legendären Gespräche des Journalisten Günter Gaus, die im Fernsehen gezeigt wurden, als dieses noch schwarz-weiß war. Heute ist der Historiker Herfried Münkler zu Gast.

8 € / erm. 5 €
Berlin-Ticket S: 3 €

In der fünfzehnten Ausgabe der Reihe Das Gedicht in seinem Jahrzehnt begegnen sich diesmal die Dichter:innen Volha Hapeyeva (geboren 1982 in Minsk) und Eugene Ostashevsky (geboren 1968 in Sankt Petersburg). Gemeinsam mit dem Literaturkritiker Gregor Dotzauer durchqueren sie die zurückliegenden Jahrzehnte, angefangen in den siebziger Jahren, und wählen jene Gedichte aus, die sie in einer bestimmten Zeit besonders prägten. Hinzu kommen eigene Texte, die von dieser Prägung zeugen. Auf diese Weise entsteht eine sehr persönliche, lebendige Deutungs- und Dichtungsgeschichte.

Die Veranstaltung wird englisch-deutsch gedolmetscht. Mit freundlicher Unterstützung von ECHOO Konferenzdolmetschen

In Lesung und Gespräch: Volha Hapeyeva | Eugene Ostashevsky
Moderation: Gregor Dotzauer

Eintritt:
6/4 €
Tickets online 

Lesungen und Gespräche
In der Reihe ›Das Werk‹

Die langjährige LCB-Reihe ›Das Werk‹ lädt ein zu einem spielerischen Gang durch die eigene Literatur. Gemeinsam mit dem Literaturwissenschaftler Oliver Lubrich, Professor an der Universität Bern, wendet sich Hans Christoph Buch zurück – mit einem kleinen Stapel ausgesuchter Bücher im Gepäck. Darunter auch zwei druckfrische, die pünktlich zum 80. Geburtstag im April erscheinen: »Der Flug um die Lampe« (Frankfurter Verlagsanstalt, 2024) vereinnahmt Raum und Zeit, überblendet viele miteinander verwobene Erzählungen und berichtet von bizarren Geschichten, die wie eine Fliege um die Lampe, um ein geheimes Zentrum kreisen. »Vom Bärenkult zum Stalinkult« (Arco, 2024) ist ein übermütiges Dazwischen von Erzählung und Essay, von Literarhistorie und persönlichem Narrativ – mit Zwischentiteln wie »Reisen zum Urquell der Poesie«, »Briefe nicht über die Liebe« oder »Bagatellen zum Massaker« und »Von Pol zu Pol«.

Tickets online bestellen

8 € / 5 €.
Auch an der Abendkasse.

Die Abgeordneten der Nationalversammlung einigten sich in der Frankfurter Paulskirche auf eine Verfassung für einen deutschen Nationalstaat ohne Österreich. An der Spitze sollte der preußische König Friedrich Wilhelm IV. als Kaiser der Deutschen stehen. Er lehnte jedoch die Krone aus den Händen der Parlamentarier ab.

Hätte er angenommen, wäre die Revolution gelungen? Hätten sich die Ziele der Revolution nach politischer Mitbestimmung und Grundrechten erfüllt?

Moderation: Lili Reyels

Roads not Taken am …

Gesprächsreihe

Welche anderen Verläufe der Geschichte waren angelegt, aber sind nicht eingetreten? Welche Chancen wurden versäumt, welche Katastrophen abgewendet? Welche Rolle spielten individuelle Entscheidungen – und welche der Zufall? Die Kurator*innen der Ausstellung Lili Reyels, Julia Franke und Stefan Paul-Jacobs sowie wechselnde Gäste diskutieren diese und andere Fragen, betreten die nicht eingeschlagenen Wege von vier ausgewählten historischen Daten und stellen fest: Alles hätte womöglich auch ganz anders kommen können. Oder?

Mit Lia Becker, Sadie Lune, Emilia Roig, Lux Venérea (Bundaskanzlerin), einer Videoarbeit von Annie Sprinkle & Beth Stephens, einer Stick-Station von Tatreez Berlin, einem Pop-up-Store von Other Nature, einem Büchertisch von Odradek u.a.

Teil der “Vessel of Love”
Im Rahmen von “Love is a Verb”

Mit der Diskussionsrunde zwischen Sophie Lewis, Eva von Redecker und Eleonora Roldán Mendivil im Februar hat das HAU Hebbel am Ufer bereits einen Auftakt gesetzt, um über das idealisierte Konzept der Familie hinauszudenken. In Weiterführung dieser Gesprächsrunde steht Emilia Roigs Publikation “Das Ende der Ehe: Für eine Revolution der Liebe” nun im Zentrum. In ihrem Buch ruft die Politologin, Sachbuchautorin und Aktivistin zum Ende der patriarchalen Institution Ehe auf, die als Inbegriff der Liebe romantisiert und mythisch verklärt wird. Im Rahmen der Veranstaltung diskutieren die Autorinnen Emilia Roig und Lia Becker, die Künstlerin und Sexarbeiterin Sadie Lune u.a. über die Überwindung von patriarchalen Familienstrukturen zugunsten einer erweiterten Perspektive der Demokratisierung von Liebe, sozialer Reproduktion und Fürsorgearbeit.

“Ecosexercise” – eine Videoarbeit von Annie Sprinkle und Beth Stephens, performt von Sadie Lune  
Das partizipative Workout “Ecosexercise” bringt die ökosexuelle Bewegung ins HAU. Im Jahr 2008 heirateten Beth Stephens und Annie Sprinkle die Erde. Denn wenn es darum geht, den Planeten zu retten, so argumentieren die beiden, sind Eros und Liebe mächtiger – und lustiger – als Angst. Auf die erste Hochzeit folgten weitere: eine blaue Hochzeit mit dem Himmel, eine lila Hochzeit mit dem Mond, eine weiße Hochzeit mit dem Schnee und viele mehr. “Ecosexercise” geht der Frage nach, wie wir miteinander in Beziehung stehen und wie wir uns mit unserer Umwelt verbinden wollen. 

Zum Abschluss des Tages präsentiert Lux Venérea (Bundaskanzlerin) eine Comedy-Show zum Thema Liebe.

ABLAUF

Ab 16:00 / Barfoyer
Tatreez Berlin 

17:00–18:00 
“Das Ende der Ehe: Für eine Revolution der Liebe” – Lesung und Gespräch mit Emilia Roig

18:00–18:30 
“Ecosexercise” – Videoarbeit von Annie Sprinkle und Beth Stephens, performt von Sadie Lune  

19:00–20:30 
“On Abolishing the Family – and Finding Alternatives”
Panel mit Sadie Lune, Emilia Roig, Lia Becker u.a., Moderation: Margarita Tsomou

21:00–22:00 
“The T in Matrimony” – Stand-up-Performance von Lux Venérea (Bundaskanzlerin)
 

„Die Utopie ist am Horizont.
Ich gehe zwei Schritte,
Sie entfernt sich zwei Schritte.
Ich gehe weitere zehn Schritte darauf zu,
und der Horizont schiebt sich zehn Schritte weiter.
Also, wofür dient die Utopie?
Dafür. Zum Weitergehen.“
(frei nach Fernando Birri und Eduardo Galeano)

In einer Zeit, in der die gesellschaftliche Transformation drängender ist denn je, widmet sich die Akademie der Künste dem Thema der Utopie. Auf Einladung von Akademie-Präsidentin Jeanine Meerapfel haben die künstlerischen Sektionen der Akademie ein Programm entwickelt, das sich mit historischen und gegenwärtigen Utopien zum Erdenken besserer Zukünfte beschäftigt.

Wer glaubt heute noch an die Kraft der Utopien zur Erschaffung einer neuen – einer gerechteren und sozialeren – Welt? Die Gegenwart ist gezeichnet von den langfristigen Folgen der gescheiterten Utopien aus Ost und West. Historische utopische Entwürfe sind häufig kolonial und westlich geprägt und somit ambivalent. Vor diesem Hintergrund setzt sich das über fünf Wochen erstreckende Veranstaltungs- und Ausstellungsprogramm mit dem Wesen politischer, gesellschaftlicher und künstlerischer Utopien auseinander. Ausgehend von der dystopischen Gegenwart sollen alte Utopien neu gedacht werden. Es wird das Utopische in den Lücken und Freiräumen, im Marginalisierten, im Vergessenen wiederentdeckt. Die Kunst schafft dabei selbst utopische Räume.

Zur Eröffnung am 19. April sprechen die Akademie-Mitglieder Aleš Šteger, A. L. Kennedy und Uwe Timm über ihre Gedanken zur Utopie – im Dialog mit musikalischen Interventionen von Floros Floridis.

Ausstellungen

19.4. – 26.5., Hanseatenweg, Studiofoyer

Rabenbären von Karla Kowalski
Die ausgestellten Tiere/Untiere von Karla Kowalski wecken Vorstellungen von früher dagewesenen oder noch sein werdenden Wesen.

19 Uhr, Eröffnung
Gedanken zur Utopie
Mit Aleš Šteger, A.L. Kennedy, Uwe Timm und Jeanine Meerapfel
Musik: Floros Floridis
€ 6/4

Anhand von fünf Filmen aus den Jahren 1963 bis 1993 zeichnet der Filmhistoriker Luciano Castillo Rodríguez den politischen und ästhetischen Aufbruch sowie die Gesellschaftsutopien des lateinamerikanischen Kinos nach. Auf den Spuren von Vittorio De Sicas Wunder von Mailand (1951) greifen die Regisseur*innen Varda, Alea, Lilienthal, Sorín und Cabrera die Kraft des Poetischen und der Emotionen auf, um nicht nur vom Glauben an die Veränderbarkeit der Welt, sondern auch von dessen Notwendigkeit zu erzählen.

Die Veranstaltung findet in Kooperation mit dem Ibero-Amerikanischen Institut der Stiftung Preußischer Kulturbesitz statt.

Programm am Samstag, 20.4.

15 Uhr
Einführung
Das Wunder von Mailand
Salut les Cubains (mit Einführung)

18.30 Uhr
Ein kubanischer Kampf gegen Dämonen (mit Einführung)
Im Anschluss Gespräch zwischen Luciano Castillo Rodríguez und Jeanine Meerapfel

Programm am Sonntag, 21.4.

14 Uhr
Einführung
Der Aufstand

16.30 Uhr
Der Film des Königs (mit Einführung)

19 Uhr
Die Strategie der Schnecke (mit Einführung)
Im Anschluss Gespräch zwischen Luciano Castillo Rodríguez und Jeanine Meerapfel

VERFILMTE UTOPIEN ein Beitrag von Luciano Castillo Rodríguez

Das Wunder von Mailand / Miracolo a Milano
Italien 1951, 100 min, OV mit englischen UntertitelnRegie: Vittorio De Sica
Darsteller*innen: Emma Gramatica, Francesco Golisano, Paolo Stoppa

Der naive Hauptheld Toto, ein Findelkind, das von einer älteren Dame großgezogen wird, kommt als junger Mann nach Mailand, um sich Arbeit und Wohnung zu suchen. Er findet Unterschlupf in einer Armensiedlung am Rand der Stadt, die aus kaum mehr als ein paar Verschlägen besteht. Aber Toto lässt sich nicht erschüttern, mit seinem Übermut bringt er Schwung in die Tristesse. Als auf dem Gelände Öl gefunden wird, soll die Siedlung geräumt werden. Aber Totos Wundertaube vermag das Böse ins Gute zu wenden. So werden aus Befehlen Arien und aus Soldaten Pazifisten. Wenn sich am Schluss die Bewohner*innen im wörtlichen Sinne erheben, so, weil nur, wer an Wunder glaubt, wird Wunder erleben.

Der Film, basierend auf einer Novelle des Autoren Cesare Zavattini, entspringt dem Geist des Neorealismus, jener Welle, die sich nach dem Krieg vor allem der Darstellung sozialer Realität verschrieb. Gedreht wurde semidokumentarisch an authentischen Schauplätzen, Laien wurden als Charaktere gewählt und brachten ihre eigenen Erfahrungen ins Spiel ein. Regisseur Vittorio De Sica aber geht einen Schritt weiter. Er fügt märchenhafte Elemente hinzu, die dem realen Setting die Kraft der Phantasie und des menschlichen Willens entgegenhalten. Hierin ist de Sicas Kino verwandt mit dem lateinamerikanischen, das tief in der Tradition des magischen Realismus verwurzelt ist. Ein Sieg der kleinen Leute, David gegen Goliath. Dem Film wurde seinerzeit vorgehalten, quasi-religiös zu sein und nur Trost spenden zu wollen. Im Gegenteil: Die Grundfrage ist nach wie vor gültig: Wem gehört die Stadt?

Salut les CubainsFrankreich / Kuba 1963, 30 min, OV mit englischen Untertiteln
Regie: Agnès Varda

Wie viele Intellektuelle ihrer Zeit sympathisierte die Filmemacherin Agnès Varda mit der kubanischen Revolution. Der kleine karibische Inselstaat hatte sich aus eigenen Kräften vom amerikanischen „Casino-Kapitalismus“ befreit. 1963, drei Jahre nach der Revolution, begab sich Agnès Varda nach Kuba, um sich selbst ein Bild zu machen und kehrte mit über 1000 Negativen an den Schneidetisch zurück. In einer spielerischen Montage lässt sie die Fotos zu ChaChaCha-Musik tanzen, zeigt alltägliche Straßenszenen ebenso wie Aufmärsche, nimmt die Frauen mit ihrem erwachten Selbstbewusstsein in den Blick, dokumentiert die Zuckerrohrernte und Fidel Castro bei einem Auftritt. Zu spüren ist ihre Begeisterung, aber auch feine Ironie. Gemeinsam mit dem Schauspieler Michel Piccoli spricht sie den Kommentar, der die Bilder rhythmisch noch steigert.

Ein kubanischer Kampf gegen Dämonen (auch unter dem Titel: Eine kubanische Schlacht gegen die Dämonen) / Una pelea cubana contra los demoniosKuba 1972, 130 min, OV mit englischen Untertiteln
Regie:Tomás Gutiérrez Alea
Darsteller*innen: José Antonio Rodríguez, Raúl Pomares, Silvano Rey, Mares González, Olivia Belizaire

Regisseur Tomás Gutiérrez Alea gehört zu den wichtigsten Vertretern des Neuen Kubanischen Kinos. Nach einem Jura-Studium in Havanna, wo er Fidel Castro kennenlernte, ging er nach Rom, um an der Centro Sperimentale di Cinematografia Regie zu studieren. Einer seiner prägenden Lehrer war Cesare Zavattini, auf dessen Novelle das Wunder in Mailand fußt. Er schloss sich dem Widerstand gegen die Batista-Diktatur an und gehörte fortan zu den prägenden Akteuren beim Aufbau des neuen kubanischen Films. In die zahlreichen Spiel- und Dokumentarfilme, die er realisierte, brachte er seine Erfahrungen mit dem italienischen Neorealismus ein. Er war Mitbegründer der Filmhochschule am Instituto Cubano del Arte e Industria Cinematográficos (ICAIC) in Havanna. Obgleich er seine Filme in den Dienst der jungen Republik stellte, bewahrte er sich ein hohes Maß an Eigenständigkeit und Glaubwürdigkeit. Eines seiner wichtigsten Themen ist die Legitimierung der Revolution, die er aus den verheerenden Zuständen aus der Zeit der Kolonialisierung ableitet. Der Film Una pelea cubana contra los demonios basiert auf dem gleichnamigen Buch des kubanischen Schriftstellers Fernando Ortiz Fernández. Er spielt in der Region Remedios im 17. Jahrhundert: ein Priester will aus Eigeninteresse die Gemeinde von einem Ort zum anderen bringen. Der obskurantistische Kreuzzug provoziert Tod und Zerstörung. Alea verdichtet in seinem Film die unheilvolle Allianz aus Religion, Macht und Ausbeutung und inszeniert in gewaltvollen und expressiven Bildern einen Kreuzzug, der in Exorzismus und Mystizismus mündet.

Der Aufstand / La insurrecciónDeutschland 1980, 101 min, OV mit deutschen Untertiteln
Regie: Peter Lilienthal
Drehbuch: Peter Lilienthal, Antonio Skármeta
Darsteller*innen: Augustin Pereira, Carlos Carania, Maria Lourdes Centeno de Zelaya

Peter Lilienthals Spielfilm ist angesiedelt in der Zeit der Kämpfe der Sandinistas gegen die Somoza-Diktatur 1979 in Nicaragua. Die Dreharbeiten begannen unmittelbar sechs Wochen nach dem Sieg der Revolution. Meisterhaft versteht es Lilienthal, Fiktion mit dokumentarischen Elementen zu verknüpfen und somit eng ans zeitliche Geschehen zu rücken. Im Zentrum steht der Volksaufstand in Leon, der entscheidend zum Ausgang der Revolte beitrug. Anhand einer Familiengeschichte exemplifiziert er seine grundsätzlichen Fragen an das Verhältnis von Gewalt und Aufruhr. Es ist der Sohn der bürgerlichen Familie, der beim Militär dient, dann von seinem Vater zum Desertieren überredet wird und sich schlussendlich dem Widerstand anschließt. Lilienthal drehte den Film unter Beteiligung der Bürger*innen, der ehemalige Stadtguerilla und Einheiten der Befreiungsarmee. An der Kamera Michael Ballhaus. Das Drehbuch entstand in Zusammenarbeit mit dem chilenischen Autoren Antonio Skármeta, der als Anhänger Allendes Chile nach dem Putsch verlassen musste.

Der Film des Königs / La Película del ReyArgentinien 1986, 104 min, OV mit deutschen Untertiteln
Regie: Carlos Sorín
Darsteller*innen: Ulises Dumont, Julio Chávez, Roxana Berco

In der verschachtelten Film-im-Film-Konstruktion verknüpft der argentinische Regisseur Carlos Sorín die wahre Geschichte des Franzosen Orélie Antoine, einem (realen) Abenteurer, der sich 1860 in Feuerland selbst zum König von Araucanien und Patagonien kürte, mit der (fiktiven) Geschichte von den Dreharbeiten eines Regisseurs namens Arturo, der versucht, diese bizarre Story zu verfilmen und dabei in einen Strudel von Schwierigkeiten gerät. Der Produzent springt ab, es fehlt an Geld, die Schauspieler*innen verlassen das Set. Arturo ersinnt immer absurdere Tricks, um das Vorhaben zu retten. So ersetzt er die fehlenden Akteure durch Schaufensterpuppen und übernimmt die Hauptrolle kurzerhand selbst. Aus der überdrehten Spiegelfechterei entwickelt sich in surrealen Bildern eine aberwitzige Parabel über das Filmemachen und den Irrsinn von Größenwahn.

Die Strategie der Schnecke / La Estrategia del CaracolItalien / Kolumbien / Frankreich 1993, 116 min, OV mit deutschen UntertitelnRegie: Sergio Cabrera
Darsteller*innen: Fausto Cabrera, Frank Ramírez

Die Komödie spielt in einem Mietshaus im Altstadtviertel von Bogotá. Ein Spekulant will das Haus räumen. Aber die Bewohnerinnen und Bewohner haben alle gute Gründe, sich nicht vertreiben zu lassen. Doch da, wo keine regulären Mittel weiterhelfen, braucht es Widerstand und List. So schließt sich die bunte Gesellschaft zusammen: der Anarchist, der sein „Handwerk“ in früheren Kämpfen erlernt hat, der junge Revoluzzer, der den Aufstand bislang nur geprobt hat, ein Rechtsanwalt, allerdings ohne Zulassung, ein Pater, der sein Glück im Diesseits sucht, sowie eine Transperson und eine Frau mit ihrem schwerkranken Mann. Der Film ist ein Hohelied auf den Gemeinsinn und den Zusammenhalt mit der klaren Botschaft, dass es sich lohnt, sich zu wehren.

VERFILMTE UTOPIEN

Niemand vermochte es, Utopie zielsicherer zu definieren als der uruguayische Schriftsteller Eduardo Galeano: Wir werden sie erst dann erreichen, „wenn wir in der Lage sein werden, jeden Tag so zu leben, als wäre er der erste, und jede Nacht, als wäre sie die letzte“.

Das bewegte Bild war seit seinen Anfängen, und womöglich schon davor, eine solche Utopie des Menschen, bis es ihm schließlich gelang, das Bild zum Laufen zu bringen, es mit einer Kamera einzufangen und auf einer weißen, von zittrigen Träumen bevölkerten Oberfläche zu projizieren. Seit diesen Anfängen hat es sehr viel geregnet, ein praktisch nicht enden wollender Regen, wie aus einer Erzählung von García Márquez, und das Kino, mittlerweile in den Stand der siebten Kunst erhoben, bedarf – wie der Mensch – noch immer der Utopien.

Diese reichen zurück zu einer Zeit, als in den Sälen Stille herrschte, nur unterbrochen von einem Klavier, einigen wenigen, manchmal vom Publikum ausgebuhten Musiker*innen oder gar einem ganzen Orchester. Einer kubanischen Dichterin, Fina García Marruz, gelingt es in nur zwei Versen den Charakter des Stummfilms einzufangen: „Es fehlt ihm nicht an Ton, er hat vielmehr die Stille.“ Der deutsche Filmemacher Fritz Lang, der zu der erlesenen Gruppe von Menschen gehört, für die das Adjektiv „genial“ schlicht unzureichend ist, begeistert und beunruhigt mit Metropolis noch immer das Publikum; während die Magie eines Cesare Zavattini, dem Patriarchen des italienischen Neorealismus, es ermöglicht, dass Totò (il buono) gemeinsam mit anderen zu einem Flug über ein wundersames Mailand abhebt.

Welch größere Utopie kann es geben, als die siegreiche Revolution auf einer kleinen karibischen Insel, gerade einmal 90 Seemeilen von einem stets bedrohlichen Goliath entfernt. Wie andere Filmemacher*innen – darunter Kurt Maetzig – kann auch Agnés Varda, die in Paris lebt, nicht tatenlos zusehen und landet mit einem Fotoapparat im Gepäck in Havanna. Mit diesem bereist sie das Land von einem Ende zum anderen, angetrieben von dem Wunsch, kein einziges Motiv zu verpassen. Wie es ihr gelingt, diesen enormen visuellen Schatz im Schnittraum zu heben, ist eines der großen Geheimnisse von Salut les cubains.

Jahre später, als das neue kubanische Kino beim Festival von Leipzig und auf den internationalen Festivals das Publikum begeistert und Preise abräumt, begibt sich einer seiner wichtigsten Vertreter, Tomás Gutiérrez Alea, ins 17. Jahrhundert, um auf diese Weise die Turbulenzen seiner eigenen Zeit zu reflektieren. Dabei zögert er nicht, sich den Dämonen zu stellen, die das kulturelle Leben eines ganzen Zeitabschnitts verdunkeln sollten. Der ebenso rastlose wie scharfsinnige Regisseur Peter Lilienthal, der im April 2023 von uns gegangen ist, kam ebenfalls nicht umhin, zu einem anderen Kampf Stellung zu beziehen. Er sieht, wie die Sandinistas drauf und dran sind, eine bis dahin utopisch scheinende Befreiung zu erringen, und macht sich auf nach Nicaragua, um den Aufstand der Massen zu filmen.

In einem anderen Eck Lateinamerikas kommt eine Gruppe von Nachbar*innen zusammen. Sie verschanzen sich in ihrem Haus und stellen sich – mit einer sehr effektiven Strategie ausgerüstet – den Machenschaften eines Immobilienhais entgegen.

Am südlichen Zipfel des Kontinents, in Argentinien, wiederum marschiert ein junger Cineast mit dem Schwert in der einen Hand und der Filmkamera in der anderen auf den Horizont zu, wild entschlossen, seinen Film um jeden Preis zu drehen.

Die Auswahl, die wir für dieses Film-Wochenende in der Akademie am Hanseatenweg getroffen haben, mit dem Risiko, dem jede Auswahl unterliegt, möchte sich dieser und vieler anderer Chimären annähern. Carlos Sorín, damals noch ein echter Neuling im Genre des fiktionalen Langfilms, legt seinem Protagonisten einen kategorischen Satz in den Mund, der stellvertretend für so viele Cineast*innen steht, nicht nur, aber insbesondere im Neuen Lateinamerikanischen Kino, der einzig wahrlich kontinentalen Bewegung in der Geschichte des Kinos: „Ich werde diesen Weg bis zum Tod weitergehen!“

Luciano Castillo Rodríguez

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Vorführung 20.4. 15 Uhr
Vorführung 20.4. 18.30 Uhr
Vorführung 21.4. 14 Uhr
Vorführung 21.4. 16.30 Uhr
Vorführung 21.4. 19 Uhr

Mit dem Bild eines ‚starken Meeres‘ beschreibt die ukrainische Dichterin und Intellektuelle Lesja Ukrajinka die Krymer Landschaft als Kampf der Natur gegen Unterwerfung. Gleichzeitig spricht sich die Dichterin gegen zu idyllische Beschreibungen aus, die die Eroberung der Krym 2014 verschleiern. Genau an dieser Schnittstelle des Politischen und Poetischen ist die Veranstaltung Starkes Meer. Der Widerstand auf der Krym verortet, bei der ukrainische und internationale Historiker:innen, Dissident:innen, Künstler:innen und Politiker:innen ins Gespräch kommen.

Seit zehn Jahren lebt die ukrainische Halbinsel Krym unter russischer Besatzung. In diesem Kriegsjahrzehnt verwandelte sich die Halbinsel in einen Raum von Repressionen und Vertreibungen derjenigen, die die Annexion ablehnen. Propaganda über die ‚immer russische‘ Krym begleitete diese gewaltige Transformation. Für die internationale Tagesordnung spielte die Krym lange nur eine geringe Rolle und ihre historische, politische und kulturelle Identität geriet in Vergessenheit. Aber die Krym ist Raum für viele signifikante europäische Erzählungen, sei es koloniale Politik, Imperialismus, kulturelle Vielfalt oder Emanzipation. In dem Augenblick, in dem diese Erzählungen hörbar werden, scheint die gewaltige Stille um die Krym nicht mehr so mächtig zu sein.

Es erwarten Sie Vorträge, Diskussionen, Lesungen und musikalischen Interventionen, die die Themen Vertreibung, Vielfalt und Zusammenleben sowie die Dissidenz und die Geschichte der Krym bearbeiten.

Um Anmeldung wird gebeten.

Eine Veranstaltung der Bundeszentrale für politische Bildung in Kooperation mit der Staatsbibliothek zu Berlin.

Mit Erica Fischer, Suzanne Lacy, Wen Hui, Elisabeth von Samsonow, einer Stick-Station von Tatreez Berlin, einem Pop-up-Store von Other Nature, einem Büchertisch von Odradek u.a.

Teil der “Vessel of Love”
Im Rahmen von “Love is a Verb”

“She was a virgin once … then a sexually potent fertile female, and then went through menopause. She has given birth several times and faced death several times – the same times.” (Ursula K. Le Guin)

Ursula K. Le Guins Essay “The Space Crone” (1976) setzt sich mit der gesellschaftlichen Stellung von Frauen nach der Menopause auseinander. Ausgehend von Le Guins Gedanken, dass Frauen im höheren Alter die wohl aussagekräftigsten Vertreterinnen der Menschheit darstellen, versammelt die Vessel of Love am 20.4. künstlerische Arbeiten, Geschichten und Anekdoten zum Thema Altern. Gemeinsam mit Erica Fischer, Suzanne Lacy, Elisabeth von Samsonow und Wen Hui widmet sich diese Veranstaltung in verschiedenen künstlerischen Beiträgen (Lesung, Film, Performance) und Gesprächen den Perspektiven einer älteren Generation auf Liebe und den Formen des Miteinanders und der feministischen Solidarität im Alter.

Erica Fischer war in den 1970er-Jahren Mitbegründerin der Frauenbewegung in Wien und ist Autorin von “Aimée & Jaguar: Eine Liebesgeschichte, Berlin 1943”. In Büchern wie “Spät lieben gelernt” oder “Alt: Na und?” erzählt Fischer ihre eigene Geschichte und verbindet diese mit oft tabuisierten Fragen zum Leben im Alter. Die ökofeministische Künstlerin und Philosophin Elisabeth von Samsonow hat mit Mitte 60 mit Kolleg*innen in Niederösterreich ein vier Hektar großes “Land der Göttinnen” gegründet. Die Choreografin und Filmemacherin Wen Hui beschäftigt sich seit langem mit der institutionellen Kontrolle und Unterdrückung des weiblichen Körpers. Im generationenübergreifenden Dialog untersucht sie, welche Spuren das soziale Leben im Körper der Einzelnen hinterlässt und wie dieser als Speicher der Erinnerung fungiert. Suzanne Lacy ist eine zentrale Figur der sozial engagierten Performance-Kunst in den USA. Seit Jahrzehnten setzt sich die Künstlerin in ihren Projekten mit Erfahrungen des Alterns und insbesondere mit dem Bild alternder Frauen in der Öffentlichkeit, mit ihren Zukunftswünschen und ihren Chancen am Arbeitsmarkt auseinander.

Other Nature ist ein queer-feministisches, sex-positives, umweltfreundliches und veganes Sexshop-Kollektiv aus Berlin. An drei Tagen wird das Kollektiv in der Vessel of Love mit einem Angebot von körperverträglichen Sextoys, Büchern und Zines, alternativen Menstruationsprodukten, Gender Expression Kleidung u.a. vor Ort sein. Zusammen mit dem Partnerverein ON Kollektiv e.V. organisiert Other Nature regelmäßige Workshops, Bildungs- und Umverteilungsprojekte und Events.

 

Eintritt: 6€ / 4€

Einlass: ab 16:30 Uhr

Ticket: Eintrittskarten

Digital: Livestream

Ernst Toller schrieb »Eine Jugend in Deutschland« im Schweizer Exil und vollendete das autobiografische Porträt am Tag der NS-Bücherverbrennung im Mai 1933. Als 26-jähriger Student kommandierte er 1919 die »Rote Armee« der Münchner Räterepublik und wurde dafür mit fünf Jahren Haft bestraft. Er war einer der wichtigsten Autoren der Weimarer Republik. Ernst Piper hat das Buch neu herausgegeben sowie Dokumente zur Biografie und einen Essay beigetragen. Im Gespräch mit Wolfgang Benz erinnert er an den Sozialisten, der vor Hitler fliehen musste.

Es liest Lena Stolze. In englischer Sprache

Die Umwälzungen unserer heutigen Zeit wären Hannah Arendt nur allzu vertraut gewesen. Tyrannei, Rassismus, postfaktische Politik, Verschwörungstheorien, Massenmigration, die Banalität des Bösen: Alles hat sie erlebt. Arendt wurde zu Beginn des letzten Jahrhunderts geboren und floh aus dem faschistischen Europa, um sich in Amerika ein neues Leben aufzubauen. Dort wurde sie zu einer der einflussreichsten – und umstrittensten – öffentlichen Intellektuellen der Welt. Sie schrieb über Macht und Terror, Exil und Liebe, aber vor allem über die Freiheit. Fragen und Denken – darin bestand ihre erste Verteidigung gegen jede Form der Tyrannei, der sie eine Politik der menschlichen Pluralität und Spontaneität entgegensetzte. Die Welt zu lieben, so lehrt uns Arendt, bedeutet, den Mut zu finden, sie zu schützen. 

Lyndsey Stonebridge beleuchtet Arendts Leben und Werk, bringt sie in einen Dialog mit unserer unruhigen Gegenwart – und fordert uns dazu auf, wie Hannah Arendt zu denken: unerschütterlich, liebevoll und trotzig. Darüber spricht die Professorin für Humanities und Menschenrechte mit dem Schriftsteller und Philosophen Wolfram Eilenberger. Die deutschen Passagen liest Lena Stolze.

Lyndsey Stonebridge »Wir sind frei, die Welt zu verändern: Hannah Arendts Lektionen in Liebe und Ungehorsam«, aus dem Englischen von Frank Lachmann, C.H. Beck 2024

8 € / erm. 5 €
Berlin-Ticket S: 3 €

Bereits mit ihrem ersten Gedichtband Styx, der ganz am Anfang eines neues Jahrhunderts stand, hatte Else Lasker-Schüler (geboren 1869 in Elberfeld, gestorben 1945 in Jerusalem) ihren eigentümlichen Sound gefunden, mit dem sie schließlich zur unbestritten wichtigsten Dichterin des Expressionismus avancierte. Der Aufbruch „ins Grenzenlose“, der im Debüt proklamiert wurde, vollzog sich innerhalb von nicht einmal zehn Jahren. Entscheidend war ihr dritter Band Meine Wunder (1911), der heute so berühmte Gedichte wie Weltende oder Ein alter Tibetteppich enthält. Die Kritik rühmte ihre Sprache, die als üppig bezeichnet wurde und die mit ihren kühnen Metaphern und Komposita (etwa „Moschuspflanzenthron“ oder „Maschentausendabertausendweit“) eine Gegenwelt beschwor. Gottfried Benn, den sie einst als ihren „geliebtesten Geliebten“ beschrieb, nannte sie vier Jahrzehnte später die „größte Lyrikerin, die Deutschland je hatte“. Sie war auch die einzige Frau, die 2019 von Kurt Pinthus in dessen bahnbrechende Expressionismus-Anthologie Menschheitsdämmerung aufgenommen wurde, was einerseits ihren künstlerischen Rang bestätigt und andererseits die misogynen Tendenzen der Zeit deutlich macht. Mit dem aufkommenden Nationalsozialismus geriet Lasker-Schülers Leben zusehends in Gefahr. Sie emigrierte zunächst nach Zürich, reiste von dort mehrmals nach Palästina. Mit Kriegsbeginn verweigerte die Schweiz ihr das Rückreisevisum. Sie starb 1945 in Jerusalem.

In Lesung und Gespräch: Sirka Elspaß | Ozan Zakariya Keskinkılıç | Sünje Lewejohann | Angela Winkler Moderation: Boris Schumatsky

Eintritt:
6/4 €
Tickets online 

Gesellschaftliche Debatten über den Umgang mit der kolonialen Vergangenheit gewinnen zunehmend an Dringlichkeit. Neben Diskussionen über die Rückgabe von Museumsobjekten berühren sie öffentliche Erinnerungsräume, wie Initiativen zur Umbenennung von Institutionen oder Straßen zeigen. Vor diesem Hintergrund reflektieren Bibliotheken zunehmend ihre Verflechtungen mit der Geschichte des Kolonialismus und der europäischen Expansion des 19. und frühen 20. Jahrhunderts. Fragen zum historischen Sammlungsaufbau, Praktiken der Organisation und Klassifikation von Wissen und dessen Vermittlung stehen dabei im Zentrum. Im Rahmen dieser Debatten wirbt das Projekt IN_CONTEXT: Colonial Histories and Digital Collections Mittel für die Digitalisierung von Bibliotheksbeständen aus kolonialen Kontexten und für den Aufbau eines vernetzten Forschungsportals zur Geschichte des Kolonialismus ein. Das Forschungsportal soll mittelfristig als eine zentrale Plattform zur Erforschung historischer Quellen dienen, indem es Bestände aus kolonialen Kontexten in Deutschland und von internationalen Partnern präsentiert und zugänglich macht. Das Projekt ist an der Staatsbibliothek zu Berlin angesiedelt und wird von der Stiftung Preußischer Kulturbesitz gefördert.

Wir bitten um Anmeldung bis zum 23. April.

Freie Universität Berlin
Seminarzentrum, Raum L 115
Otto-von-Simson-Straße 26
14195 Berlin

Outer space has long served as a screen for political, gender and familial projections. For capitalist hegemony it was a realm for colonisation and resource extraction, for “real existing socialism” it was supposed to represent a space of solidarity and equality. Due to its proximity to Earth, Venus acted as a macabre sister in a sibling rivalry with the Sun. Venus became the ultimate cishet male fantasy as it was feminised or even portrayed as a dreadful vagina dentata in both mass-cultural and scientific representations.

Venus, the brightest object in the sky, ignited the beginning of space odysseys and also marked the culmination of the space race. After penetrating the underbelly of its mysterious atmosphere and capturing its surface for the first time, the longing to discover other forms of intelligent life within reach have relinquished and earthlings were confronted with cosmic loneliness. The fate of space exploration in the 21st century is to be a private enterprise, tourist attraction for the ultra-rich, destination for the cosmic “white flight”.

The primary impetus behind “venussianism” – the attempt to comprehend the incomprehensible – is the thirst for knowledge and the desire to observe distant planetary landscapes. However, this scopophilic impulse has never been neutral but was driven by the visual colonisation of uncharted territories. The exploration of Venus (an American failure and Soviet success) cannot be separated from what Paul Virilio called the industrialisation and militarisation of the optical field. The series of missions to Venus known as “Венера” (Venera, Venus), produced in the USSR between 1962 and 1983, were part and parcel of a military-industrial complex and imperialist techno-science.

Yet, the story of Venus is also a tragic tale of “suicide cameras,” in the words of Harun Farocki: envoys for the human sensing body. Dressed in full metal jackets, the “Veneras” from the first to the sixteenth model were destined to experience adverse climatic conditions and doomed to imminent death. These victims of technological progress, who brought so much invaluable data, receive, however, insufficient recompense. Could one finally acknowledge the agency of spacecraft, rockets, orbiters, or landers and feel compassion for Venera’s own feelings? Is it possible to release outer space from ideological projections and demilitarise perception?

Andrey Shental will share his research from family archives on optical space exploration as well as space age-inspired mass culture. After showcasing examples of Soviet educational films and international sci-fi cinema, he will present the director’s cut of his video project about the 13th Venera mission. The screening will be followed by a conversation with the media scholar and independent curator Elena Vogman.

Moderation Adelaide Ivánova

Ort: Keller

Eintritt: 6,- € / ermäßigt: 4,- €

Einlass: ab 19:30 Uhr

Ticket: Eintrittskarten

Veranstaltung auf Englisch / Event in English

Wollen wir wirklich, was wir zu wollen behaupten? Diese Frage stellte sich der britische Kulturtheoretiker Mark Fisher in seinem letzten Werk »Sehnsucht nach dem Kapitalismus«, das dieses Jahr erstmals auf Deutsch erscheint. In  der Diskussion mit dem Herausgeber des Buches, Matt Colquhoun, geht es – in einem ideengeschichtlichen Ritt durch das Denken der Neuen Linken, der postmodernen Theoretiker*innen und der konservativen Reaktion – um die Rolle der Begierden.

Einführung: Hans-Christian von Herrmann
Moderation: Maximilian Mengeringhaus

Unter den prägenden Figuren der deutschsprachigen Nachkriegsliteratur war Walter Höllerer die vielseitigste: Er war Dichter, Literaturvermittler, Mitglied der Gruppe 47, Gründer der Literaturzeitschrift Akzente und hat West-Berlin in Zeiten des Kalten Kriegs als ein kulturelles Zentrum und einen Begegnungsort re-etabliert. Allzu leicht gerät in Vergessenheit, dass Walter Höllerer sich in erster Linie als Literaturwissenschaftler verstand. Jenseits normativer Vorstellungen, wie Literatur auszusehen habe, prägte Höllerer einen offenen Literaturbegriff. Lange gab es keine lieferbare Studienausgabe von Höllerers Schriften, an denen sein Literaturverständnis sichtbar wird.

Heribert Tommek (FU Berlin/Universität Regensburg) und Michael Peter Hehl (Literaturarchiv Sulzbach-Rosenberg) haben anlässlich Walter Höllerers hundertstem Geburtstag die editorische Großtat unternommen, seine bedeutendsten literaturwissenschaftlichen Arbeiten zusammenzustellen (»Walter Höllerer: Poetologische und literaturgeschichtliche Schriften 1952–1986«, J. B. Metzler, 2023). Mit ihnen und Michael Krüger, der als langjähriger Herausgeber der Akzente Walter Höllerer über Jahrzehnte ein Weggefährte und Freund gewesen ist, spricht der Literaturkritiker Maximilian Mengeringhaus.